Histoire de la musique classique occidentale
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2008-06-30T16:37:44Z
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{{navigation histoire de la musique classique occidentale}}
[[Image:The musicians by Caravaggio.jpg|thumb|[[Michelangelo Merisi da Caravaggio|Le Caravage]], ''Les musiciens'', ([[New York]], [[Metropolitan Museum of Art]])]]
La '''[[musique]]''' existe depuis les temps les plus reculés, sûrement avant même l'époque de ses premières traces historiques. Il n'est pas de civilisation qui, tôt ou tard, n'ait développé son propre système musical ou n'en ait adopté un en l'adaptant à ses nécessités et à ses goûts.
Comme celui de « [[musée]] », le terme de « musique » dérive du [[grec ancien]] {{grec ancien|Μοῦσαι}} / ''Moûsai'' (« Muses »). Le concept occidental de musique est donc une allusion aux [[science]]s et aux [[art]]s rappelant l'idée d'une chose parfaite, agréable et bien ordonnée.
{{Citation bloc|La musique est une révélation plus profonde que toute sagesse et toute philosophie... Qui pénètre le sens de ma musique pourra se libérer des misères dans lesquelles se traînent les autres hommes|[[Ludwig van Beethoven]]}}
L''''histoire de la musique classique occidentale''' est circonscrite à la sphère définie par l'appellation de {{Citation|[[musique classique]]}} couramment admise et qui englobe la musique savante, sacrée comme profane, de ses origines à nos jours. L'[[histoire de la musique]] étudiera dans leur globalité tous les types de musiques de toutes les régions du monde et de tous les temps.
{{Article détaillé|Histoire de la musique}}
== La chronologie ==
{{Article détaillé|Chronologie de la musique classique}}
En donnant une suite à la [[musique grecque ancienne]] et à celle de la [[musique de la Rome antique|Rome antique]], la [[musique classique]] occidentale trouve son origine dans le [[chant chrétien]] diffusé par les communautés des premiers siècles. L'unification des rites fera évoluer la musique vers le [[chant grégorien]], monodique et apparaîtra alors le premier système d'écriture musicale en occident. La [[polyphonie]] interviendra dans les siècles suivants, qui nécessitera une écriture plus précise, mise en forme par le moine [[Guido d'Arezzo]]. La transmission de la musique populaire, des [[troubadour]]s notamment, étant orale, seule la [[musique sacrée]] du Moyen Âge des écoles successives (''[[ars antiqua]]'' et ''[[ars nova]]'') parviendra jusqu'à nous. La pré-renaissance verra se développer essentiellement les [[école franco-flamande|écoles de musique franco-flamandes]] qui seront à l'origine de la théorie de l'[[harmonie]]. Au XVIe siècle se produit l'un des événements les plus importants pour la diffusion de la musique : la création de l'[[imprimerie musicale]]. C'est aussi le siècle de la naissance du [[madrigal]] dont le représentant le plus important est [[Claudio Monteverdi]] qui sera également à l'origine de ce qui deviendra l'[[opéra (musique)|opéra]]. Le développement extraordinaire de la musique lors des siècles suivants aboutira à la perfection des compositions de [[Johann Sebastian Bach]] pour la période [[musique baroque|baroque]] et de [[Wolfgang Amadeus Mozart|Mozart]] pour la période [[musique de la période classique|classique]]. Au début du XVIIIe siècle domine la personnalité de [[Ludwig van Beethoven]]. C'est la « saison du grand symphonisme allemand » comme le XIXe sera celle de l'opéra italien avec [[Gioachino Rossini]] ou [[Giuseppe Verdi]]. Ce sont les deux siècles de la [[musique romantique]]. La fin du siècle aboutit à la crise du système tonal, telle qu'elle ressort dans le prélude de ''[[Tristan et Isolde]]'' de [[Richard Wagner]] et qui sera suivie par l'adoption dans la deuxième décennie du XXe siècle par [[Arnold Schoenberg]], et ses élèves, d'un nouveau système, le [[dodécaphonisme]]. Il s'agit là du début de la [[musique contemporaine]] dont les plus grands représentants sont [[Igor Stravinsky]], [[Bela Bartok]] ou [[Maurice Ravel]] pour la première partie puis [[Pierre Boulez]] ou [[John Cage]] pour la phase du [[sérialisme]].
== Les origines ==
{{Article détaillé|Origines de la musique}}
[[Image:Cantoria Della Robbia OPA Florence 9.jpg|thumb|Enfants chantant et jouant de la musique, illustration du [[Livre des psaumes|psaume 150]]<ref>Voir le texte du psaume 150 dans [[s:Livre des Psaumes#Psaume 150|wikisource]]</ref> (''Laudate Dominum'') ([[Museo dell'Opera del Duomo (Florence)]]]]
[[Image:Mridangam transparent.png|thumb|Un [[mridang|mridangam]], tambour ancestral du sud de l'Inde]]
La première évocation de la musique se trouve dans les [[textes sacrés]] du [[judaïsme]] à propos de Iubal ou Jubal, fils de Lamec et d'Ada dont il est dit :
{{Citation bloc|... il fut le père de tous ceux qui jouent de la [[cithare]]<ref>(ou [[guitare]], [[hébreux]] ''kinnor'')</ref> et de la [[flûte]]<ref>(hébreux ''ugab'')</ref>|[[Genèse]] 4,21|<ref>La traduction française du verset 4,21 de la [[Genèse]] sur [[s:Genèse 4|wikisource]] donne [[harpe]] et [[chalumeau (musique)|chalumeau]].</ref>}}
Cette citation semble faire allusion à une époque située autour de 3200/3000 avant Jésus-Christ.
Mais il est certain que la naissance de la musique, comme forme de production organisée du [[son musical|son]], est bien antérieure et probablement aussi ancienne que l'homme lui-même, mue par le désir d'utiliser la voix ou des instruments fabriqués spécifiquement pour imiter les sons naturels : le chant des [[vocalisation des oiseaux|oiseaux]], le bruissement des [[forêt primaire|feuilles]], le fracas hiératique du [[tonnerre]].
Quelques preuves en ce sens peuvent être déduites des découvertes d'anciens [[instrument de musique|instruments de musique]]. A défaut de témoignages directs, l'observation des peuples dont le mode de vie est encore assez semblable à celui des périodes préhistoriques, comme par exemple les [[Peuple indigène du Brésil|Indiens brésiliens]], les [[Aborigènes d'Australie]] ou certaines populations [[histoire de l'Afrique|africaines]], autorise quelques hypothèses sur les formes de la musique primitive.
On peut présumer que les toutes premières formes de musique sont nées surtout du [[rythme]] : battements des mains et des pieds pour imiter les battements du choeur ou le rythme cadencé des pieds dans la course ou celui du galop ; altération, par jeu ou par ennui, de la [[phonation]] spontanée d'interjections comme « eh ! », « ah ! »... durant un labeur fatiguant ou monotone comme piler le grain récolté pour en faire de la farine, se baisser pour cueillir les plantes ou semer les graines. Il est fort probable de ce fait et en raison de la relative facilité de leur construction que les premiers instruments de musique ont été des instruments à [[instrument de percussion|percussion]], vraisemblablement quelque variété de [[tambour]].
Parmi les plus anciens instruments retrouvés se trouve en effet un tambour à fente, cylindre creux assorti d'une fente longitudinale sur la surface externe, qui était joué par percussion avec des baguettes sur la fente elle-même. Les plus anciennes et primitives versions retrouvées consistent en un tronc creux, sans fente mais appuyé transversalement sur un trou pratiqué dans le sol et sans doute joué par percussion avec les pieds par les musiciens juchés sur l'instrument.
On doit attendre plus longtemps pour voir apparaître des instruments plus sophistiqués. Les premiers à voir le jour après les percussions furent les [[instruments à vent]] ([[flûte]], [[cor (instrument de musique)|cor]]) et [[instrument à cordes|à cordes]] ([[lyre]] et [[cithare]]), dont il existe des témoignages [[Grèce|grecs]], [[Égypte|égyptiens]] et [[Mésopotamie|mésopotamiens]] antérieurs au {{-s|X|e}}. Ces civilisations connaissent déjà les principaux [[intervalle (musique)|intervalles]] entre les sons ([[quinte]], [[quarte (musique)|quarte]], [[octave]]), utilisés comme base de leurs [[échelle musicale|échelles musicales]] respectives.
==La Musique de la Grèce antique==
{{Article détaillé|Musique grecque ancienne|Antiquité grecque en musique}}
[[Image:Music lesson Staatliche Antikensammlungen 2421.jpg|thumb|Leçon de musique, [[hydrie]] [[attique]] à figures rouges, v. [[-510|510 av. J.-C.]], [[Munich]], [[Staatliche Antikensammlungen]]]]
[[Image:Dionysos mask Louvre Myr347.jpg|thumb|Masque de théâtre représentant [[Dionysos]], terre cuite de [[Myrina (Mysie)|Myrina]], [[musée du Louvre]]]]
[[Image:Bronnikov gimnpifagoreizev.jpg|thumb|''Hymne de [[école pythagoricienne|pythagoriciens]] au soleil couchant'', [[Feodor Andrejewitsch Bronnikov]], [[Moscou]], [[ Galerie Tretiakov ]]]]
La musique tient une place importante dans la vie sociale et religieuse de la [[Grèce antique]]. Pour les Grecs, la musique est l'un des [[Art de la Grèce antique|art]]s majeurs avec la [[poésie]], la [[danse]], la [[médecine en Grèce antique|médecine]] et les [[magie (surnaturel)|pratiques magiques]]. Le rôle essentiel de la musique dans le monde grec est démontré au travers des nombreux [[mythes]] qui évoquent cet art. Celui d'[[Orphée]], qui réussit grâce à sa musique à convaincre les dieux de l'[[enfers grecs|Adès]] de rendre à la lumière du jour son épouse [[Eurydice (femme d'Orphée)|Euridyce]], est considéré comme le mythe fondateur de la musique.
A l'[[époque archaïque]] (des origines au {{-s|VI|e}}), la musique est pratiquée uniquement par des musiciens professionnels, les [[aède]]s et les [[rhapsode]]s, qui déclament les mythes en s'accompagnant d'un instrument et transmettent la musique oralement.
Pendant la [[époque classique|période classique]] (du {{-s|VI|e}} au {{-s|IV|e}}, la musique commençant à faire partie du système éducatif est de ce fait plus répandue. Il ne subsiste de cette époque que très peu de sources relatives à l'écriture musicale, celle-ci étant seulement utilisée par les musiciens professionnels et la transmission étant encore orale. Toujours dans la période classique, se développe la [[tragédie grecque|tragédie]]. Les sujets sont pris dans la [[mythologie]] et consistent en dialogues entre deux ou trois personnages, alternés de [[musique chorale]]. Les acteurs sont tous masculins et, munis du [[masque de théâtre]], récitent le texte sur l'accompagnement de la musique. La structure architectonique du [[architecture du théâtre grec antique|théâtre]] est constituée d'un gradin (koïlon) semi-circulaire pour le public situé face à la scène (proskénion) où se produisent les acteurs. Entre les gradins et la scène se trouve l'orcheste (orchestra) où se tient le [[chœur (théâtre)|chœur]].
Parmi les instruments utilisés par les Grecs, la [[lyre]], la [[cithare]] et l'[[aulos]] sont les plus répandus. La lyre est un instrument à cordes pincées joué à l'aide d'un [[plectre]] et l'un des attributs d'[[Apollon]]. L'aulos est un instrument à vent à anche double semblable à l'actuel [[hautbois]] utilisé lors des banquets, des funérailles ou des sacrifices religieux. Sont également en usage des instruments à percussion comme les tambours et les [[cymbale]]s
Les Grecs rapprochent la musique des [[mathématiques]] et du [[astronomie|mouvement des astres]]. [[Pythagore]], comprit à l'observation du mouvement des planètes que la musique était également gouvernée par des lois mathématiques précises. Il appliqua son intuition au [[monocorde]] et découvrit que si une corde produisait un son d'un certaine hauteur, pour obtenir un son à l'[[octave]] supérieure il fallait faire vibrer la moitié de la corde, pour obtenir la [[quinte]] il suffisait de faire vibrer les deux tiers de la corde, etc. Il serait ainsi à l'origine de la gamme fondée sur le cycle des quintes.
A la base du système musical grec se trouve le [[polycorde#Tétracorde|tétracorde]] formé de quatre sons descendants compris dans un intervalle de [[quarte (musique)|quarte]] juste. Les deux sons extrêmes sont fixes alors que les deux intermédiaires sont mobiles. Les tétracordes se divisent en [[échelle diatonique|diatonique]], [[échelle chromatique|chromatique]] et [[enharmonie|enharmonique]]. L'union de deux tétracordes forme un [[mode (musique)|mode]] qui peut être dorique, phrygien ou lidien. Selon le type d'association, les modes peuvent être à leur tour conjoints ou disjoints. Si à un mode dorique disjoint on ajoute un tétracorde conjoint dans l'aigu, un autre tétracorde conjoint dans le grave et une [[note de musique|note]] sous ce dernier, on obtient le système « ''teleion'' », ou système parfait, embrassant l'extension de deux octaves.
Le [[rythme (solfège)|rythme]] musical se base sur celui de la [[poésie]]. Dans la poésie grecque, la [[métrique]] découle de la durée des syllabes, brèves ou longues : le même phénomène se retrouve en musique. La brève équivaut à l'actuelle [[croche (musique)|croche]] et la longue à la [[noire (musique)|noire]]. Le rythme est obtenu par l'association de deux ou plusieurs notes ou syllabes, ordonnées dans un schéma rythmique appelé [[pied (poésie)|pieds]]. En poésie, la combinaison des différents pieds forme le [[vers]] et la succession de plusieurs vers forme la [[strophe]].
Les Grecs, qui l'estiment à même d'enrichir l'âme, attribuent à la musique une fonction éducative. Selon [[Platon]], la musique doit servir à affermir l'âme comme la [[gymnastique]] rend le corps robuste. Ce discours se développe encore avec la doctrine de l'[[èthos]] pour laquelle chaque mode a un èthos spécifique et peut influer positivement ou négativement sur l'âme. Pour Platon, les modes de nature dorique ou phrygienne influent positivement alors que les modes lydiens peuvent perturber l'équilibre rationnel. [[Aristote]] accepte la classification en èthos mais estime que tous les modes peuvent être bénéfiques à l'âme.
Jsuque là, la théorie musicale est connue exclusivement du point de vue mathématique. Par la suite, [[Aristoxène]] de [[Tarente]] découvre l'importance de l'[[oreille absolue|oreille]] dans la perception des sons.
== La musique de la Rome antique sous l'influence du modèle grec ==
{{Article détaillé|Musique de la Rome antique|Antiquité romaine en musique}}
[[Image:Relieve de Osuna (M.A.N. Madrid) 01.jpg|thumb|Soldat jouant du [[buccin (instrument)|buccin]], bas-relief d'Osuna ([[Séville]], {{-s|II|e}}), [[Musée national archéologique (Madrid)]]]]
A l'[[époque hellénistique]] on assiste à l'une des crises substantielles liées aux fondements de la « Mousikè » grecque, accompagnée de la crise du [[tragédie|genre tragique]]. On rencontre dès lors de réelles performances d'acteurs qui mettent en scène les pièces d'un répertoire constitué.
En [[146 av. J.-C.]] [[Histoire de la Rome antique|Rome]] conquiert la Grèce. Cette date signe la fin de la culture grecque antique mais est aussi un facteur discriminant dans la culture romaine entre un « avant » et un « après ».
L' « avant » est marqué par la modeste présence, à Rome, de la musique d'origine [[étrusques|étrusque]] ou [[italiques|italique]], associée aux spectacles indigènes comme les [[théâtre romain#Les types de pièces|atellanes]] ou les [[fescennins]]. Remonte à cette première époque la diffusion des instruments en métal à usage militaire : le [[buccin]], de forme circulaire, la [[tuba]] au long tuyau droit de bronze .
L'« après » est caractérisé par l'arrivée de nombreux [[musicien]]s, [[intellectuel]]s, [[artiste]]s et [[philosophe]]s grecs à Rome, conséquence de la conquête de la Grèce par les romains. Tout le système culturel romain, y compris musical, est conditionné par celui du pays conquis, avec toutefois des différences essentielles. De même, dans le domaine dramatique, les tragédies et les comédies sont composées sur le modèle grec mais supportent des appellations différentes : les ''coturnae'' grecques (ainsi nommées parce que les acteurs portaient des « coturnes »), monodiques et chorales, de caractère rituel, essentielles dans les manifestations publiques solennelles comme les ''rioni'', dans les fêtes religieuse, dans les jeux, deviennent ''palliate'' à Rome, du nom du vêtement endossé pour la circonstance : le ''[[pallium]]''.
La musique romaine hérite du système musical du monde grec dans ses usages, ses formes et sa théorie. En revanche, en comparaison de la simplicité raffinée de la musique grecque exécutée avec peu d'instruments pour accompagner le chant, la musique des romains est indubitablement plus vive et colorée, mêlée d'éléments d'origine italique et exécutée par de grands ensembles musicaux où l'on trouve la présence massive des [[instruments à vent]] : la ''[[tibia (musique)|tibia]]'', le [[buccin (musique)|buccin]], le ''lituus'', la ''[[tuba (musique)|tuba]]'' et l'usage de l'[[Ctésibios#Hydraule ou machina hydraulica|hydraule]] (orgue hydraulique) et de nombreux (et bruyants) [[instrument de percussion|instruments à percussion]]. On peut en déduire que la musique à Rome était très populaire et accompagnait toujours les nombreux spectacles comme la [[Théâtre romain#Les types de pièces|pantomime]] ou les [[jeux (Rome antique)|jeux]] de [[gladiateur]]s. Alors que pour les Grecs la musique est une composante fondamentale de l'éducation, les romains la jugent inférieure et l'associent aux fêtes et divertissements plutôt qu'à la formation du ''vir''.
== Le chant du christianisme en Occident ==
{{Article détaillé|Chant chrétien}}
===La musique sacrée ===
[[Image:QuedlinburgItalaIllus1KingsChap15.jpg|thumb|Feuillet du ''Quedlinburg Itala'' ({{s|V|e}})<Ref> [[Berlin]], Bibliothèque d'État. Il s'agit de quatre feuillets arrachés d'une [[Bible]] au {{XVIIe siècle}} du [[Livre des Rois]], et primitivement conservé à [[Quedlinburg]], en [[Saxe]]. C'est le plus ancien [[manuscrit]] enluminé [[Rome|romain]]. Des indications précises étaient données à l'intention du peintre: « Faites un [[prophète]] avec une [[cithare]], un autre avec une [[flûte]] double, un troisième avec une [[cymbale]], et puis [[Saül]] et son jeune serviteur prophétisant aussi avec le [[psaltérion|psalmodium]] ». Voir pour plus de détail l'article [[Enluminure paléo-chrétienne]]. </ref>]]
La diffusion du [[christianisme]] et donc du [[chant chrétien]] a eu un rôle décisif dans l'histoire de la musique occidentale. La [[musique chorale]] trouve son origine dans le chant chrétien des premiers siècles. On lit dans les [[Saintes Écritures]] que le chant était une pratique commune dans les rites de la [[judaïsme|religion hébraïque]] : le [[Jésus Christ|Christ]], tout comme ses disciples, est lui-même décrit comme ''[[chantre|cantor]]'' :
{{Citation bloc|Et après avoir chanté l'hymne, ils sortirent vers le mont des Oliviers|[[Évangile selon Marc|Marc]], 14, 22-26<ref>La traduction française du verset 14,26 de l'[[Évangile selon Marc]] sur [[s:Évangile selon Marc#Marc 14|wikisource]] donne : « Après avoir chanté les cantiques, ils se rendirent à la montagne des oliviers »</ref>}}
On peut faire un parallèle entre la fonction de la musique dans les rites des premières communautés chrétiennes et la fonction de l'art décoratif, synthétique et stylisé des débuts officiels du christianisme (après [[-313]]). Dans les deux cas les arguments de la foi sont le sujet d'expressions artistiques non verbales qui peuvent être facilement mémorisés y compris par une congrégation non lettrée et d'origine humble.
Cette façon de « chanter les idées » continuera au cours des siècles à contribuer à la participation des fidèles à l'action sacrée, même après que la [[latin|langue latine]] ait depuis longtemps cessé d'être compréhensible. Avec le temps, à la fonction de didascalie hiératique (associée à la psalmodie du célébrant) et participative de la musique, s'ajoutera une fonction décorative destinée à solenniser les événements religieux à travers les caractéristiques et le volume sonore auquel il est possible d'attribuer en partie le succès d'un instrument comme l'[[orgue]].
=== La monodie liturgique chrétienne ===
[[Image:Theodosius-1-.jpg|thumb|Par l'[[édit de Thessalonique]] l'empereur [[Theodose Ier]] impose l'unicité de la religion, qui entraînera l'unification de la liturgie et de sa musique dans tout l'empire romain.]]
Comme la [[notation musicale]] n'émergera que dans le courant du deuxième millénaire, le chant chrétien des premiers siècles nous est complètement inconnu et ce que l'on en sait découle en grande partie de suppositions. Son origine présumée du rite hébraïque laisse à penser que la [[liturgie]] des premiers siècles était basée sur l'intonation de formes mélodiques traditionnelles construites à partir de minuscules variations (appelées microtonales du fait de leur amplitude inférieure à un demi ton) et dans lesquelles le rythme découlait du rythme verbal de la liturgie (ce procédé est également appelé [[trope (musique)|cantillation]]). On peut supposer en outre que la condition de clandestinité dans laquelle la religion chrétienne était pratiquée favorisait l'apparition de nombreuses variantes du rite et donc de l'accompagnement musical de référence.
La situation change en [[380]], quand l'[[édit de Thessalonique]] impose la religion chrétienne comme unique religion de l'empire. À partir du {{s|V|e}}, le christianisme commence à se donner une structure qui impose l'unification de la liturgie et par conséquent de la musique qui en fait partie intégrante.
On peut supposer que la forme initiale de la musique liturgique est [[monodie|monodique]] (c'est à dire, selon le terme grec qui signifie une seule voix, confiée à un soliste) et basée sur des variations d'intonation autour d'une note fondamentale (la ligne de chant), variations dictées par la prosodie (ou emphase) des paroles du texte sacré dans le style musical dit syllabique. À ce style musical dominant dans la majeure partie de la messe, vient se superposer un second style, réservé initialement aux moments de plus grande emphase comme l'offertoire, dans lequel un soliste entone le texte en faisant varier librement l'intonation sur une même syllabe, dans un style dit [[mélisme|mélismatique]].
La transmission de la musique est encore orale et se déroule dans les écoles de chant dont la présence auprès des plus grands centres religieux est attestée dès le {{s|IV|e}}. Au delà de l'école d'origine, il est probable que l'art de l'improvisation de chaque chanteur déterminait largement la musique d'usage liturgique.
== Le chant grégorien ==
{{Article détaillé|Chant grégorien}}
===L'unification des rites===
[[Image:Codex Las Huelgas.gif|thumb|Codex las Huelgas (v. 1300)]]
Au début du {{s|VI|e}} existent en Occident plusieurs zones d'influence liturgique, chacune avec son propre rite ([[Histoire du rite romain|vieux-romain]], [[rite ambrosien|ambrosien]] à Milan, [[rite mozarabe|mozarabe]] en Espagne, [[rite celtique|celtique]] dans les îles britaniques, [[rite gallican|gallican]] en France, [[Aquilée|Aquiléen]] en Italie orientale, [[Benevent|beneventan]] en Italie méridionale...). La tradition veut que l'impulsion décisive conduisant à l'unification des rites et par conséquent de la musique liturgique date de la fin de ce siècle, sous la papauté de [[Grégoire le Grand]] ([[590]]-[[604]]).
En réalité il y aurait toute raison de croire que l'unification ne s'est réalisée que pratiquement deux siècles plus tard, à l'initiative de [[Charlemagne]] et dans le sillage de l'unification politique qui a conduit à la naissance du [[Saint empire romain germanique]]. L'attribution à [[Grégoire le Grand]] aurait été introduite pour vaincre les résistances au changement des différents milieux éclesiastiques, contraints à renoncer à leurs propres traditions.
Le résultat de l'unification de deux des principaux rites, le « vieux-romain » et le gallican, fut codifié dans l'[[antiphonaire]] grégorien qui contenait tous les chants admis dans la nouvelle liturgie. Le classement de la musique sacrée est alors réalisé selon le système des [[mode (musique)|modes]] inspirés -tout au moins pour leurs noms- des modes de la tradition grecque (dorique, hypodorique, phrygien, hypophrygien, lydien, hypolydien, mixolydien, hypomixolydien)<!---ou : ionique, dorique, phrygien, lydien, mixolydien, éolien, locrien : Geavert)---><ref>Cf. la section relative aux noms des modes grecs dans l'article [[mode (musique)#L'usage erroné de noms grecs pour les modes|mode]] qui en attribue l'appellation à [[Glaréan]].</ref>.
===L'écriture neumatique===
[[Image:Magnificat.png|thumb|Exemple de style neumatique : antienne du ''Magnificat'']]
La réforme grégorienne substitue l'étude des textes à la transmission orale pratiquée dans les écoles de chant des origines, sacrifiant, outre les particularités régionales (dont certaines, notamment celles du rite mozarabe, étaient particulièrement riches) et l'intonation [[musique tonale|microtonale]] (qui existait encore dans le rite « vieux-romain »), le rôle de l'improvisation. Dans le même temps se fait jour la nécessité d' « annoter » les textes, de manière à aider les chanteurs à toujours exécuter la musique dans le même mode, avec une ligne mélodique indiquant la direction montante ou descendante. Cette exigence fait naître des signes particuliers, les [[neume]]s (découlant, semble-t-il des gestes du chef de choeur), qui, notées entre les lignes des codex représentent le mouvement de la mélodie tout en laissant libres l'intonation et le rythme.
L'écriture [[neumatique]] devient ainsi la première « notation » (qui donnera ensuite le terme de « note ») musicale moderne.
== Les débuts de la polyphonie ==
{{Article détaillé|Polyphonie}}
[[Image:Saint-martial.jpg|thumb|Gravure tirée du Tonaire de Saint-Martial de Limoges (milieu du {{s|XI|e}})]]
La réforme grégorienne n'empêche pas l'enrichissement, au fil du temps, des mélodies monodiques de base grâce aux amplifications ajoutant, dans le sens horizontal, des ornementations à la ligne mélodique et, dans le sens vertical, d'autres voix au chant du célébrant.
L'amplification horizontale prend la forme d'interpolations de textes et et mélismes dans la mélodie grégorienne ([[trope (musique)|tropes]]) ou de compositions originales à partir de moments particuliers de la liturgie comme l'''Alleluia'' ([[séquence (liturgie)|séquences]]).
L'amplification verticale, qui constitue le début de la [[polyphonie]] (du grec : plusieurs voix) prend d'abord la forme d'un redoublement (diphonie) de la voix monodique (''vox principalis''), par une seconde voix (''vox organalis'') au développement parallèle et à distance fixe (quarte ou quinte), selon le procédé dénommé « [[organum]] parallèle ». La ''[[organum|vox organalis]]'' (ou ''duplum'') initialement située sous la ''[[organum|vox principalis]]'' serait devenue plus aigüe au cours des développements successifs. Le traité ''Musica Enchiriadis'' de la moitié du {{s|IX|e}} rend compte de l' « organum parallèle » et de certaines variations exceptionnelles du mouvement parallèle des voix.
L'éloignement par rapport à la règle du mouvement parallèle des voix est destiné à produire des techniques polyphoniques plus complexes : telle fut, autour de 1100, la technique du [[déchant]] où il est consenti aux voix, qui conservent toujours des distances considérées comme consonantes (quarte, quinte, octave et unisson), un mouvement plus libre alternant entre mouvement parallèle et mouvement contraire.
A la même époque émerge une technique dite hétérophonie, probablement dérivée du chant populaire, qui confie au ''duplum'' l'exécution de mélismes pendant que la ''vox principalis'' entone, avec des valeurs de durée très prolongée, la mélodie originale. Cette pratique est documentée dans certains codex italiens des {{XIIe s}} et {{XIIIe siècle}}s comme le traité d'organum du Vatican et par des documents de la même époque provenant de l'église [[Martial de Limoges|Saint-Martial]] de [[Limoges#Édifices religieux|Limoges]]. Ce style prendra le nom d'''[[organum]]'' ''[[mélisme|mélismatique]]''.
Ce ne furent pas là les seules altérations à la prescription monodique grégorienne : à l'époque et dans les lieux où se développe l'organum mélismatique, on trouve des exemples de l'usage d'une voix de [[bourdon (musique)|bourdon]] (une unique note basse qui se prolonge sur toute la durée de la composition), de compositions multitextuelles dites tropes simultanées dans lesquelles les voix chantent des textes différents, anticipant ce qui plus tard prendra le nom de [[motet]] et esquisse l'écriture à trois voix.
En Angleterre, naît à ce moment là, un type de polyphonie très différente de celle qui se développe sur le continent européen, qui admet en les exagérant les intervalles de tierce et de sixte, considérés comme dissonants sur le continent. Cette tendance, qui s'exprime dans les compositions à deux ([[gymel]]) et trois voix ([[faux-bourdon]]), aurait ensuite influencé la musique [[école franco-flamande|flamande]] <!---aïe ! ---> et se serait ensuite diffusée dans toute f'Europe, devenant la base de la musique occidentale (qui s'appuie sur les accords de trois notes et les intervalles de tierce).
== Guido d'Arezzo ==
{{Article détaillé|Musique médiévale}}
[[Image:Guido van Arezzo.jpg|thumb|]]
L'écriture neumatique laissait libre court à l'imagination du lecteur et était de ce fait inadaptée à la transcription des compositions d'une grande complexité qui mettaient à rude épreuve la mémoire des chanteurs.
C'est dans l'oeuvre de [[Guido d'Arezzo]] (v.[[Xe siècle en musique classique|992]] - v.[[XIe siècle en musique classique|1050]]) que s'affirme le premier système d'écriture diastématique permettant d'indiquer les diverses hauteurs de notes à entoner. Guido d'Arezzo appelait son système tétragramme parce qu'il insérait des signes (qui deviendront les notes modernes) dans une grille constituée le plus souvent de quatre lignes parallèles.
C'est aussi là le début de l'utilisation des notes dont l'écriture donne la durée proportionnelle. Aux notes positionnées sur et entre les lignes, Guido d'Arezzo assigna, comme moyen mnémotechnique à l'usage des élèves, des noms correspondant aux syllabes initiales des six premiers vers d'un hymne à Saint-Jean-Baptiste :
{{citation bloc|[[ut (note)|Ut]] '''UT'''queant laxis, [[ré (note de musique)|ré]] '''RE'''sonare fibris , [[mi (note de musique)|mi]] '''MI'''ra gestorum, [[fa (note de musique)|fa]] '''FA'''muli tuorum, [[sol (note de musique)|sol]] '''SOL'''ve polluti, [[la (note de musique)|la]] '''LA'''bii reatum, [[si (note de musique)|si]] '''S'''ancte '''J'''ohannes.}}
La véritable innovation de Guido d'Arezzo est d'avoir non seulement donné un nom aux notes mais de leur avoir attribué une intonation relative. Ainsi, un chanteur peut entonner à vue un chant jamais entendu auparavant, en rapportant simplement la syllabe de l'hymne à l'intonation de la note par laquelle commence le chant pour avoir une idée immédiate de la tonique.
Ce procédé de mémorisation prit le nom de [[solmisation]]. Dans les années qui suivent, le tétragramme de Guido d'Arezzo, à l'origine doté d'un nombre variable de lignes, se stabilise sur cinq lignes prenant le nom de [[portée]] et la note ut se transforme en do, posant ainsi les bases de la notation musicale moderne.
== La musique populaire du Moyen Âge ==
{{Article détaillé|Troubadour}}
[[Image:BernardDeVentadour.jpg|thumb|Le [[troubadour]] [[Bernard de Ventadorn]], enluminure d'un manuscrit du [[XIIIe siècle en musique classique|XIIIe siècle]]]]
Du point de vue de sa conservation, la musique du [[Moyen Âge]] est doublement désavantagée : elle souffre en premier lieu, jusqu'à l'invention de la presse à imprimer, du sort commun à tout le matériel qui doit être transmis sous forme écrite, lié à la rareté des matériaux, des moyens et de la capacité nécessaires à sa transmission, auquel s'ajoute le défaut d'une notation permettant d'écrire la musique de manière univoque, qui n'aboutira complètement qu'autour de [[1500 en musique classique|1500]].
Sur ces considérations pratiques, vient se greffer un préjugé d'ordre culturel, dont l'origine remonte aux conceptions de la Grèce antique, distinguant dans la pratique musicale une partie noble liée à la parole et une partie artisanale liée au son instrumental. La seconde, dans sa fonction de service, est reléguée au second plan et abandonnée aux musiciens professionnels, jamais d'origine noble. Ainsi, la musique populaire est-elle exclusivement de transmission orale et de ce fait complètement perdue. Les quelques mélodies arrivées jusqu'à nous n'ont pu nous parvenir que parce qu'elles se sont infiltrées parmi les compositions sacrées souvent par l'intermédiaire de la messe : c'est notamment le cas de la mélodie dite de ''[[L'homme armé]]'' et, plus tard, de la ''[[folia]]''. La musique populaire ne commencera à être jugée digne d'être transmise qu'à l'époque moderne.
Le Moyen Âge a cependant produit une quantité importante de musique de caractère non sacré : célébration des seigneurs, qui assument la charge de musiciens ; accompagnement de cérémonies officielles, de spectacles de théâtre ou de récitation de poésies ; ou tout simplement musique de danse.
La récitation de poésie est souvent, si ce n'est toujours, accompagnée de musique ; la plupart des poèmes (''[[canzoniere]]'' de [[Pétrarque]]), sont d'ailleurs plutôt chantés que récités. Le célèbre manuscrit profane des [[Carmina Burana]] ne nous a transmis que les textes des chansons des [[goliard]]s, clercs itinérants aux alentours du [[XIIIe siècle en musique classique|XIIIe siècle]].
Un autre témoignage important (profane sans être réellement populaire) se trouve dans les compositions des [[troubadour]]s, des trouvères et des ''[[minnesang]]er'', chanteurs et poètes vagabonds, remontant au [[XIe siècle en musique classique|XIe siècle]]. De provenance linguistique diverse ([[langue d'oc]] pour les troubadours, [[langue d'oïl]] pour les trouvères allemande pour les ''minnesanger'' ou [[ménestrel]]s), ils ont en commun les thèmes de leurs chansons, l'[[amour courtois]] et de leurs fréquentations, les cours seigneuriales, où s'élabore cette forme ritualisée et raffinée de l'amour. La diffusion des compositions des troubadours confirme l'idée que l'éducation musicale (personnelle et rigoureusement non professionnelle) fait partie de l'éducation d'un noble. Comme pour le reste des compositions populaires, la partie musicale des oeuvres de troubadours est complètement perdue.
== L'école de Notre-Dame et l'''ars antiqua'' ==
{{Article détaillé|Ars antiqua}}
[[Image:Breves dies hominis.ogg|thumb|''Breves dies hominis'' de [[Léonin (musicien)|Léonin]] ou peut-être de [[Pérotin]]]]
En [[XIIe siècle en musique classique|1150]] se développe à Paris autour de la [[Cathédrale Notre-Dame de Paris|Cathédrale Notre-Dame]] une grande école contrapuntique européenne, d'inspiration pythagoricienne, qui prend le nom d'[[école de Notre-Dame]] et trouvera son terme en [[XIVe siècle en musique classique|1320]] avec l' ''[[ars antiqua]]'' (terme employé en opposition à l'''[[ars nova]]'', autre grand mouvement polyphonique qui naîtra au [[XIVe siècle en musique classique|XIVe siècle]]) .
L'une des caractéristiques essentielles de l'école de Notre-Dame est d'avoir introduit dans la notation musicale la technique permettant d'indiquer précisément la hauteur des notes (encore relative dans l'oeuvre de Guido d'Arezzo) telle qu'on la trouve dans l'écriture moderne et la première idée de division des durées : chaque note peut désormais être divisée en trois notes de durée inférieure.
[[Léonin (musicien)|Léonin]] et [[Pérotin]], les deux compositeurs majeurs de l'école de Notre-Dame sont considérés comme les premiers auteurs modernes de [[musique sacrée]] de l'histoire de la musique occidentale.
== Le ''trecento'' et l'''ars nova'' ==
{{Article détaillé|Ars nova}}
[[Image:Guillaume de Machaut-Oeuvres.jpg|thumb|Page de parchemin extraite d'un manuscrit des oeuvres de [[Guillaume de Machaut]]]]
Le ''[[pré-renaissance|trecento]]'' est le [[XIVe siècle en musique classique|siècle]] qui vit dans toute l'Europe le début d'un mouvement de laïcisation de la culture, laquelle commence à s'éloigner de l'emprise de l'église pour acquérir une dimension autonome.
Ce phénomène se manifeste dans tous les aspects de la production artistique : en littérature c'est le passage d'une représentation théologique du monde ([[La Divine Comédie]]) à la comédie humaine de [[Boccace]] ; en peinture on passe des formes stylisées à la dimension matérielle de l'homme ; en architecture on ne construit plus seulement des lieux de culte mais aussi des palais, des villes et des habitations aristocratiques. En musique c'est la fin, en 1320, de l' ''ars antiqua'' avec les deux traités : ''Ars novae musicae'', celui de [[Jehan des Murs]] et celui de [[Philippe de Vitry]] qui initient la période de l'''ars nova''.
Cette école développa le concept de [[notation mensuraliste]], ajoutant d'autres durées à celles utilisées jusqu'alors et étendant l'application de la division binaire des valeurs ; elle accentua en outre les aspects musicaux des compositions par rapport aux textes en multipliant les voix des chanteurs et en introduisant par exemple la forme polytextuelle du [[motet]]. Ces innovations provoquèrent rapidement avec les tenants de l'[[ars antiqua]] une polémique dont le ton devint si violent qu'une intervention royale fut nécessaire pour retrouver le calme.
C'est le point de vue « arsnoviste » qui prévalut finalement, et ce sont ses enseignements qui forment la base des innovations musicales qui verront le jour dans les siècles suivants en [[école franco-flamande|Flandre]]. <!---aïe !--->
== Le XVe siècle : l'école franco-flamande ==
{{Article détaillé|École franco-flamande}}
[[Image:Guillaume Dufay.jpg|thumb|Guillaume Dufay]]
Les bouleversements économiques et sociaux du [[chronologie de la musique classique#Années 1400|XVe siècle]], la [[guerre de cent ans]] et le développement du commerce dans le nord de l'Europe réduisent l'importance de la France et impulsent l'épanouissement des arts en général et de la musique en particulier dans les régions des [[Pays-Bas bourguignons]]. L'école qui se développe dans les centres musicaux au sein des cathédrales, financée par la bourgeoisie aisée, prend le nom d'[[école franco-flamande]] et renouvelle grandement les formes préexistantes de la [[messe#Musique|messe]], du [[motet]] et de la chanson. En plaçant les consonances par tierces (encore aujourd'hui familières à l'oreille occidentale) et la forme imitative du [[canon (musique)|canon]] à la base de leurs règles de composition, les flamands comme [[Guillaume Dufay]], fondateur du mouvement ou [[Josquin des Pres]] révolutionnent la pratique de la polyphonie héritée de l' ''[[ars nova]]'' et de l' ''[[ars antiqua]]''. Leur travail est le fondement de ce qui deviendra la théorie de l'[[harmonie]].
La monumentale complexité à laquelle parviendront les compositions flamandes, comme le motet ''Deo Gratias'' de [[Johannes Ockeghem]], à 36 voix à parties égales, c'est à dire sans aucun redoublement des lignes mélodiques tant à l'unisson qu'à l'octave, les règles codifiées et la minutieuse taxinomie utilisée pour classifier les formes rencontrées finiront par dessécher et faire considérer artificielles les compositions de la dernière période flamande : à ce moment (entre les [[chronologie de la musique classique#Années 1500|XVIe]] et [[chronologie de la musique classique#Années 1600|XVIIe siècles]]), les enseignements des flamands sont absorbés par les autres écoles européennes et deviennent partie intégrante de la polyphonie.
La production musicale italienne de ce siècle n'est absolument pas documentée. On sait que la musique d'utilité connut une expansion dans les cours et en général dans toutes les occasions profanes mais la partie musicale confiée comme d'habitude à la tradition orale en est presque entièrement perdue. On retient de cette période les ''canti carnascialeschi'' (chants carnavalesques) de [[Laurent de Médicis]], nés à [[Florence]] à l'époque du Magnifique. Il s'agit de chants populaires à plusieurs voix : une véritable polyphonie dans laquelle toutes les voix suivent le même rythme (polyphonie homorythmique).
Émergeront différentes formes quasi monodiques ou tout au moins avec une polyphonie homorythmique beaucoup plus simple que la polyphonie flamande, dans lesquelles le texte prévaut sur la trame musicale. L'une des plus populaires est la forme de la ''[[frottola]]''. La [[villanelle]] qui était initialement nommée ''villanella alla napoletana'' est une forme à trois voix, d'abord en dialecte napolitain qui prit la forme internationale du [[madrigal]] <!--ouin ! pauvre article madrigal-->. C'est une forme de caractère fortement populaire caractérisée par la présence de quintes parallèles qui souligne sa distance avec la tradition de cette période.
== Le XVIe siècle : la Renaissance ==
{{Article détaillé|Musique de la Renaissance}}
[[Image:Renesansa-skladatelji.PNG|thumb|<small>Chronologie de quelques [[Liste des compositeurs de musique classique par période|compositeurs]] de la [[Renaissance]]</small>]]
Le [[chronologie de la musique classique#Années 1500|XVIe siècle]] voit se produire l'un des événements les plus importants pour la diffusion de la musique : la naissance de l'[[histoire de l'imprimerie musicale|édition musicale]]. En [[1501 en musique classique|1501]] à [[Venise]] est publié pour la première fois à l'initiative d'[[Ottaviano Petrucci]] l'''[[Harmonice Musices Odhecaton]]'', un volume complet de musique imprimée. Petrucci utilise de caractère mobiles ; un imprimeur romain, Andrea Antico, utilisera quelques années plus tard un procédé de type [[xylographie|xylographique]] pour obtenir le même résultat.
Dans le domaine de la musique populaire, les années 1530 et 1540 voient la diffusion <!---d'un nouveau genre musical, la ''chanson parisienne'' (was ist das ? ils ont de drôles de choses dans leurs bouquins de musico les ritals !)---> du chant syllabique à plusieurs voix généralement homorythmique (les voix chantant simultanément des notes de la même durée). Ce genre subit de nombreuses mutations et évolutions ; dans la seconde moitié du siècle la forme purement instrumentale qui en dérive, la ''chanson à jouer'', deviendra l'ancêtre des formes instrumentales qui se développeront dans la période baroque.
Le Français [[Philippe Verdelot]] et le Flamand [[Jacques Arcadelt]] donnent naissance à une autre ramification importante de ce genre, le [[madrigal]], forme de cantate à plusieurs voix dans laquelle la signification du texte communique son caractère expressif à la musique. Les principaux musiciens de de la cinquième génération de l'[[école franco-flamande]], ([[Giovanni Pierluigi da Palestrina|Palestrina]], [[Claudio Monteverdi|Monteverdi]], [[Orlando di Lasso]], [[Adrian Willaert]]) adopteront ce genre.
[[Image:Giovanni Pierluigi da Palestrina.jpg|thumb|[[Giovanni Pierluigi da Palestrina]]]]
L'avènement de la [[réforme protestante]] et la réaction de la contre réforme catholique culminant dans le [[concile de Trente]] (1545-1563), ont une profonde influence sur la musique sacrée. La traduction en allemand des chants liturgiques et leur mise en musique souvent sur des mélodies profanes crée la tradition du [[choral]] protestant. Dans le monde catholique apparaît un mouvement de retour aux origines du grégorien, s'ééloignant de l'excessive complexité introduite par l'école flamande du siècle précédent et interdisant tout recours à la musique profane dans les messes, exigeant des compositeurs le respect de l'intelligibilité du texte. Un musicien italien fameux fut particulièrement sensible à ces préceptes : [[Giovanni Pierluigi da Palestrina]] (1525-1594). Directeur musical de différentes chapelles romaines dont, pendant une courte période, la [[Chapelle Sixtine]], il laisse un corpus de 100 messes, 375 motets et plus de 300 autres compositions qui constituent pratiquement la refondation de la musique sacrée catholique, stabilisant un canon stylistique qui sera la référence pour la musique liturgique pour les siècles à venir.
Dans le même temps, dans les milieux humanistes se développe une polémique entre les tenants de la forme polyphonique et ceux de la monodie dans laquelle ces derniers faisaient figure de novateurs. Vers la fin du siècle l'influence du cercle florentin de la [[Camerata de' Bardi]] devient fondamentale. La production d'au moins deux versions (en concurrence entre elles) d'un drame musical, l'''[[Ottavio Rinuccini|Euridice]]'', est issu de ce cénacle. Y est employée une nouvelle technique, le « [[recitativo|récitatif chanté]] » d'où le génie de [[Claudio Monteverdi]] fera naître le [[opéra (musique)|mélodramme]].
A la fin du siècle, le traité ''[[De Institutioni Harmonicae]]'' ([[1589 en musique classique|1589]]) de [[Gioseffo Zarlino]], l'un des « conservateurs » défenseurs de la polyphonie dans la polémique sus-mentionnée, définit finalement de manière tout à fait exhaustive les lois de l'harmonie (et donc de la polyphonie).
== XVIIe et début du XVIIIe siècle : le baroque==
{{Article détaillé|Musique baroque}}
[[Image:Johann Sebastian Bach - The Well-tempered Clavier - Book 1 - 04Epre cmin.ogg|thumb|[[Johann Sebastian Bach]] <br/> <small>''4e prélude (do mineur)'' du Clavier bien tempéré (livre I)</small>]]
La musique occidentale se développe avec une extraordinaire rapidité pendant cette période inaugurée avec l'apparition de l'[[opéra (musique)|opéra]] ([[Claudio Monteverdi]]), en réaction à la complexité et à l'aspect scolastique de la polyphonie. Le retour à la simplicité fait cependant vite place à une recherche éperdue des effets et de la virtuosité ([[Alessandro Scarlatti]]) aboutissant à la forme de l'[[opera seria]]. L'Italie commence à dominer toute la musique européenne à l'exception de la France de Louis XIV sous la férule de [[Jean-Baptiste Lully]] puis l'influence dominante de [[Jean-Philippe Rameau]].
La [[musique religieuse]], plus conservatrice, subit néanmoins l'influence de l'opéra et se dote d'une forme qui ne relève plus de la liturgie : l'[[oratorio]] ([[Giacomo Carissimi]], [[Georg Friedrich Haendel]]).
Le [[contrepoint]] domine cette période (et atteint son apogée dans l'œuvre de [[Johann Sebastian Bach]]) pendant que se mettent en place définitivement le [[système tonal]], les règles de l'[[harmonie tonale|harmonie]] classique (Rameau) et enfin, au travers de longs tâtonnements, le [[tempérament égal]].
La [[musique instrumentale]] gagne son autonomie et crée ses formes spécifiques ([[fugue]], [[suite de danses|suite]], [[concerto grosso]], [[sonate]] ...) sous l'influence de maîtres tels [[Jan Pieterszoon Sweelinck]], [[Girolamo Frescobaldi]] et plus tard [[Arcangelo Corelli]] qui forment de nombreux disciples. Les instruments apparaissent, évoluent dans leur facture ou leur technique de jeu.
==Fin du XVIIIe siècle : la période classique==
{{Article détaillé|Musique de la période classique}}
[[Image:Mozart - Bassoon Concerto in Bb major - Allegro.ogg|thumb|[[Wolfgang Amadeus Mozart]] <br/> <small>''Concerto n° 1 pour basson en si bémol majeur'' KV 186 – Allegro''</small>]]
La transition a été préparée par des compositeurs tels qu'[[Antonio Vivaldi]], [[Georg Philipp Telemann]], ou ceux que l'on regroupe dans l'[[École de Mannheim]] : relâchement du contrepoint au profit de la mélodie soutenue par une harmonie formée d'accords autonomes qui ne résultent plus d'une conjonction de voix séparées.
La grande présence de [[Wolfgang Amadeus Mozart]] marque la période classique dans tous les domaines de la musique ([[symphonie|symphonique]], d'[[opéra (musique)|opéra]], [[musique de chambre]]) et constitue le lien entre la musique du [[chronologie de la musique classique#Années 1700|XVIIIe]] (les symphonies calmes et sereines de [[Franz Joseph Haydn]] qui reflètent la perfection des normes musicales) et la musique romantique du [[chronologie de la musique classique#Années 1800|XIXe siècle]].
==Le XIXe siècle : le romantisme==
{{Article détaillé|Musique romantique|Histoire de la symphonie}}
[[Image:Tristan.jpg|thumb|300px|''[[Tristan et Isolde ]]'' par [[Ferdinand Leeke]]]]
[[Image:Richard Wagner - Tristan und Isolde - Vorspiel.ogg|thumb|''[[Tristan et Isolde]]'', prélude]]
Dans ce siècle d'or de la musique classique occidentale (les années qui vont de [[chronologie de la musique classique#Années 1750|1750]] à [[chronologie de la musique classique#Années 1840|1850]]), celle-ci s'exprime dans une forme toujours plus riche et élaborée, tant dans le domaine instrumental avec un extraordinaire développement de la forme « symphonie » que dans le champ de l'[[opéra (musique)|opéra lyrique]], exploitant toujours plus exactement les possibilités expressives fournies par le système harmonique et tonal construit au cours des siècles passés.
Au début du siècle domine la personnalité de [[Ludwig van Beethoven]], laquelle naît de l'héritage de Mozart et des compositeurs classiques qui lui sont contemporains pour arriver à la transfiguration des formes musicales canoniques, surtout la [[symphonie]] et la [[sonate]], créant en même temps le concept de musique « absolue » dégagée de la fonction sociale à laquelle elle avait été jusqu'alors subordonnée. Avec Beethoven, on assiste à la naissance de la figure du compositeur artiste opposée à celle qui prévalait précédemment de musicien artisan. La résonance des neuf symphonies de Beethoven est telle qu'elle promeut la forme symphonie au titre de reine des formes musicales. Bien des musiciens craindront par la suite de s'y mesurer. Cependant des compositeurs comme [[Johannes Brahms]], [[Anton Bruckner]] et [[Gustav Mahler]] l'affrontent avec des résultats qui feront parler de « saison du grand symphonisme allemand ».
Si les premières manifestations du [[musique romantique|romantisme]] musical se trouvent chez Beethoven, le courant est aussi fortement représenté par de nombreux autres compositeurs allemands ou autrichiens comme [[Franz Schubert]], [[Felix Mendelssohn]], [[Robert Schumann]]. En France, les acteurs du mouvement sont [[Hector Berlioz]] et le polonais [[Frédéric Chopin]]. Emerge aussi de cette période la figure de musiciens virtuoses qui trouve en [[Franz Liszt]] et [[Niccolò Paganini]] les deux exemples les plus fameux et les plus célébrés.
Le [[chronologie de la musique classique#Années 1800|XIXe]] est aussi le siècle de la grande saison de l'[[opéra (musique)|opéra]] italien avec [[Gioachino Rossini]] ([[1792 en musique classique|1792]]-[[1868 en musique classique|1868]]), [[Vincenzo Bellini]] ([[1801 en musique classique|1801]]-[[1835 en musique classique|1835]]), [[Gaetano Donizetti]] ([[1797 en musique classique|1797]]-[[1848 en musique classique|1848]]), [[Giuseppe Verdi]] ([[1813 en musique classique|1813]]-[[1901 en musique classique|1901]]) et, à cheval sur les deux siècles, [[Giacomo Puccini]] ([[1858 en musique classique|1858]]-[[1924 en musique classique|1924]]). La tradition de l'opéra italien continue à exalter le rôle du [[chant]] qui, libéré de l'éloquence de l'opéra du [[chronologie de la musique classique#Années 1700|XVIIIe siècle]], devient moment lyrique, pure expression de l'âme. Au cours du siècle toutefois il absorbe progressivement les aspects de l'opéra français sensible à l'aspect visuel et, à partir de la seconde moitié du siècle, lié à l'esthétisme du [[naturalisme (littérature)|naturalisme]]. Quant à l'orchestre, de simple [[accompagnement (musique)|accompagnement]] du chant, il évolue jusqu'à devenir, chez Puccini, orchestre symphonique.
A la fin du siècle, la recherche de nouvelles formes et de nouvelles sonorités aboutit à la crise du système tonal, telle qu'elle ressort dans le fameux prélude de ''[[Tristan et Isolde]]'' de [[Richard Wagner]] en [[1865 en musique classique|1865]], qui contient des passages harmoniquement énigmatiques, incompréhensibles à la lumière des règles en vigueur.
== Le XXe siècle : la musique contemporaine==
{{Article détaillé|Musique contemporaine|Musique électroacoustique}}
[[Image:Boulez25oct2004.jpg|thumb|Pierre Boulez]]
A la suite de la crise du système tonal, à cheval entre les [[chronologie de la musique classique#Années 1850|XIXe]] et [[chronologie de la musique classique#Années 1950|XXe siècles]] s'engage une frénétique recherche de nouveaux codes linguistiques sur lesquels baser la composition musicale. Les solutions proposées sont diverses : du retour à la [[musique modale|modalité]], à l'adoption de nouvelles échelles, de dérivation extraeuropéenne, comme celle pour [[échelle hexatonale|tons entiers]] (proposée à l'origine par [[Claude Debussy]]), au chromatisme [[atonalité|atonal]] puis dodécaphonique qui tend à faire sortir de ses gonds la traditionelle dualité consonance/dissonance.
Dans la deuxième décennie du [[chronologie de la musique classique#Années 1920|XXe siècle]], [[Arnold Schoenberg]], et ses élèves, [[Alban Berg]] et [[Anton Webern]] notamment, parviennent à tracer le contour d'un nouveau système, le [[dodécaphonisme|système dodécaphonique]] basé sur des séries de douze notes. Pour certains il s'agit là du début de la [[musique contemporaine]], souvent identifiée comme musique d'[[avant-garde (art)|avant-garde]].
Des musiciens comme [[Igor Stravinsky]], [[Bela Bartok]] ou [[Maurice Ravel]] font le choix de chercher une nouvelle inspiration dans les traditions folkloriques et dans la musique extraeuropéenne, maintenant un lien avec le système tonal mais rénovant profondément l'organisation et expérimentant de nouvelles échelles, de nouveaux rythmes et de nouveaux timbres.
D'autres s'opposent vivement, cherchant une autre voie. Le concept de séries, initialement lié aux seuls intervalles musicaux, se développe au cours de la seconde moitié du [[chronologie de la musique classique#Années 1950|XXe siècle]] jusqu'à absorber tous les paramètres du son. C'est la phase du [[sérialisme]] dont le sommet est atteint dans les années 1950 par des musiciens comme [[Pierre Boulez]] ou [[John Cage]].
== Notes et références ==
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== Bibliographie ==
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=== Autres articles du domaine et articles connexes ===
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==Sources==
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