Histoire de la peinture 1960431 31803700 2008-07-22T21:29:08Z 66.131.34.222 {{Palette peinture}} L’'''histoire de la peinture''' traverse le temps et enjambe toutes les cultures. ==Peinture préhistorique== [[Image:Lascaux2.jpg|200px|thumb|left|Peinture d’un cheval dans la [[grotte de Lascaux]], en [[France]]]] {{Article détaillé|Art préhistorique|Art rupestre|Art pariétal}} Les plus anciennes peintures connues à ce jour se trouvent dans la [[Grotte Chauvet]] en [[France]] et elles ont, d’après la plupart des historiens, environ 32.000 ans. Gravées et peintes avec de l’[[ocre rouge]] et un [[colorant]] noir, elles représentent surtout des scènes de chasse avec des chevaux, des rhinocéros, des lions, des buffles et des hommes. On trouve d’autres exemples de [[peinture rupestre]] partout dans le monde, en [[France]], en [[Espagne]], au [[Portugal]], en [[République populaire de Chine|Chine]], en [[Australie]], etc. De multiples hypothèses ont été avancées quant à la signification de ces [[peinture]]s. Certains imaginent que les hommes préhistoriques ont peint des animaux pour « attraper » leur âme ou leur esprit afin de les chasser plus facilement. D’autres pensent qu’il s’agit d’une vision [[animisme|animiste]] et un hommage à la nature environnante. On peut également considérer que ces peintures résultent d’un besoin essentiel et innée d’expression ou bien encore qu’elles sont un moyen de transmission de l’information. Quoi qu’il en soit, il est indéniable que la [[préhistoire]] a connu l’émergence de la peinture, une forme d’art qui s’est ensuite diffusée dans le monde entier. ==Peinture orientale== ===Peinture d’[[Asie du Sud]]=== ====Peinture indienne==== {{Article détaillé|Art du monde indien}} Les peintures indiennes ont de tout temps été tournées autour de la représentation des dieux et des seigneurs religieux. L’[[art du monde indien|art indien]] regroupe différentes écoles d’art qui ont existé dans le [[sous-continent indien]]. La peinture indienne a évolué des grandes [[fresque]]s d’[[Ellorâ]] aux peintures miniatures de l’[[Empire moghol]] et au travail sur le métal de l’école de [[Tanjavûr|Tanjore]]. Les peintures du [[Gandhar]]-[[Taxila]] sont influencées par les travaux persans à l’ouest. Le courant de la peinture orientale s’est la plupart du temps développé autour de l’école d’art de [[Nâlandâ]]. Les travaux sont la plupart du temps inspirés par des scènes de la mythologie indienne. [[Image:Aurangabad - Ajanta Caves (13).JPG|nothumb|left|150px|Une fresque de la caverne d’Ajantâ]] Les plus ancienne peintures indiennes sont les peintures sur roche des périodes préhistoriques, comme les [[pétroglyphe]]s que l’on trouve par exemple dans les [[abri-sous-roche|abris-sous-roche]] de [[Bhimbetka]], dont certaines sont datées de 5500 avant Jésus-Christ. Cette forme de peinture s’est développée au cours des siècles et on peut découvrir un exemple de peintures indiennes raffinées, réalisées au {{s|VII|e}} dans les cavernes d’[[Ajantâ]], dans l’[[États et territoires de l'Inde|État]] du [[Maharashtra]]. [[Image:Agni god of fire.jpg|200px|right|thumb|Représentation d’[[Agni (dieu)|Agni]], la déesse du feu]] *[[Peinture de Madhubani]] : ce style de peinture est né dans la région de [[Mithila]] dans l’État de [[Bihar]]. Les origines de la peinture de Madhubani remontent à l’[[Antiquité]], et selon la tradition, elle serait apparue en même temps que le [[Rāmāyana]] lorsque le Roi [[Janaka]] a demandé à des artistes de peindre le mariage de sa fille [[Sitâ]], avec [[Ramâ]] qui est considéré comme une incarnation du seigneur hindou [[Vishnou]]. *[[Peinture de Rajput]] : il s’agit d’un style de peinture indienne qui est apparu au {{s|XVIII|e}}, dans les cours royales de Râjputâna (ancien nom du [[Rajasthan]]). [[Image:Ravi Varma-Rajput soldier.jpg|nothumb|left|110px|Peinture d’un soldat Rajput]] Chaque royaume a développé un style particulier, mais avec certaines caractéristiques communes. Les peintures de Rajput dépeignent un certain nombre de thèmes, des évènements comme les épopées de [[Rāmāyana]] ou de [[Mahâbhârata]], la vie de [[Krishna]], de beaux paysages et des hommes. Les [[miniature]]s étaient le [[support (peinture)|support]] préféré de ce style de peinture, mais plusieurs manuscrits contiennent également des peintures de Rajput, et on trouve aussi des peintures sur les murs et à l’intérieur de palais, comme le [[havelî]] de Shekhawait. {{clr}} *[[Peinture moghol]] : La peinture moghol est un type particulier de peinture indienne, généralement confiné aux illustrations sur les livres et les miniatures. [[Image:Sikh Gurus with Bhai Bala and Bhai Mardana.jpg|200px|right|thumb|Peinture de Tanjore représentant les [[gurûs du sikhisme]].]] *[[Peinture de Tanjore]] : La peinture de Tanjore est une forme importante de la peinture classique de l’Inde du Sud, née la ville de [[Tanjavûr|Tanjore]] dans l’État du [[Tamil Nadu]]. Cette forme d'art remonte au {{s|IX|e}} à une période dominée par les gouverneurs de [[Chola]] qui ont encouragé l’art et la littérature. Ces peintures sont connues par leur élégance, des couleurs riches et une grande attention aux détails. Les thèmes abordés sont généralement les dieux et les déesses et les scènes de la mythologie hindoue. *L’[[école de Madras]] : Pendant la [[Raj britannique|période coloniale britannique]], la couronne a constaté que la ville de [[Chennai|Madras]] regroupait des artistes et des intellectuels parmi les plus doués dans le monde. La ville a été choisie pour y établir un institut pour approvisionner la Cour royale à Londres en œuvres artistiques. C’est ainsi qu’est née l’école de Madras. Au début, des artistes traditionnels ont été engagés pour réaliser une grande variété de meubles raffinés, du métal ouvré et des [[curiosité (objet)|curiosités]] qui étaient envoyés aux palais royaux de la reine. *L’[[école du Bengale]] : Il s’agit d’un mouvement artistique influent qui s’est épanoui en [[Inde]] pendant le [[Raj britannique]] au début du {{s|XX|e}}. Elle était associée au nationalisme indien, mais elle a aussi été soutenue par de nombreux administrateurs britanniques d’arts. ===Peinture d’[[Asie centrale]]=== [[Image:Chou Fang 001.jpg|200px|right|thumb|''Femmes jouant au double sixes'', par [[Zhou Fang]] (730-800 Av. J.-C.), Chine.]] La [[République populaire de Chine|Chine]], le [[Japon]] et la [[Corée]] ont une grande tradition picturale qui est fortement attachée à l’art de la [[calligraphie]] et de la [[gravure]]. La peinture traditionnelle en [[Extrême-Orient]] se caractérise par des techniques de [[peinture à l'eau]], moins de réalisme, des sujets « élégants » et stylisés, une approche graphique de la description, l’importance des espaces blancs (ou de l’espace négatif) et une préférence pour les [[paysage]]s plutôt que des figures humaines. À côté de la peinture à l’[[encre de Chine|encre]] et l’utilisation de la couleur sur des rouleaux de soie ou de papier, l’or sur la laque était également un [[médium (peinture)|médium]] fréquemment utilisé dans la peinture asiatique. Alors que la [[soie]] était un [[support de peinture|support]] assez cher, l’invention du [[papier]] au {{-s-|I|er}} par [[Cai Lun]], l’[[eunuque]] de la [[dynastie Han]], a fourni un support non seulement bon marché et répandu pour l’écriture, mais aussi pour la peinture. Le [[confucianisme]], du [[Taoïsme]] et le [[bouddhisme]] ont joué un rôle important dans l’art d’[[Asie centrale]]. Les peintres médiévaux de la [[dynastie Song]] tels que [[Lin Tinggui]] au {{s|XII|e}} sont d’excellents exemples de l’intégration des idées bouddhistes dans la [[peinture chinoise]] classique. À la fin du {{s|XIX|e}}, avec le développement du [[japonisme]], des artistes [[impressionnisme|impressionnistes]] comme [[Vincent van Gogh|Van Gogh]], [[Henri de Toulouse-Lautrec]] et [[James Abbott McNeill Whistler|Whistler]] admiraient les artistes japonais traditionnels d’[[Ukiyo-e]] comme [[Katsushika Hokusai]] ou [[Hiroshige]], et leur travail en a été influencé. ====Peinture chinoise==== {{panorama|légende=Peinture du {{s-|XVIII|e}}, reproduction d’une peinture originale du {{s-|XII|e}}, par le peintre chinois [[Zhang Zeduan]].|image=QingMingShangHeTu Big.jpg|largeur=5000px}} {{Article détaillé|Peinture chinoise}} [[Image:Ch'iu Ying 001.jpg|left|300px|thumb|''Un matin d’automne dans le palais Han'', par le peintre Qiu Ying, sous la [[dynastie Ming]].]] Les plus anciennes œuvres de peintres chinois datent la période des [[Royaumes Combattants]] ([[-481|481]] - [[-221|221 av. J.-C.]]), avec des peintures sur soie ou sur des tombeaux, de la roche, de la brique, ou de la pierre. Elles représentaient généralement des formes stylisées simplistes avec des modèles géométriques rudimentaires. Ces peintures dépeignaient souvent des créatures mythologiques, des scènes domestiques, des scènes de travail ou des scènes somptueuses pleines de fonctionnaires royaux. A cette période, et par la suite sous la [[dynastie Qin]] ([[-221|221]] - [[-207|207 av. J.-C.]]) et la [[dynastie Han]] ([[-202|202 av. J.-C.]] - [[220]]), la peinture n’était pas un moyen d’expression personnelle, mais plutôt le moyen de symboliser et honorer la [[géomancie]], les rites funéraires, les représentations des dieux mythologiques ou l’esprit des ancêtres, etc. Sous la dynastie Han, les peintures sur [[soie]] représentant des fonctionnaires de la cour et des scènes domestiques côtoyaient des scènes de chasse avec des hommes à cheval ou participant à des défilés militaires. Il y avait aussi des peintures sur des figurines et des statues, comme celles recouvrant les statues de soldats et de chevaux du [[mausolée de l'empereur Qin]]. Sous la [[dynastie Jin|dynastie des Jin orientaux]] ([[316]] - [[420]]) basée à [[Nanjing]], la peinture était devenu l’un des passe-temps officiels des fonctionnaires, des aristocrates et des bureaucrates [[confucianisme|confucianistes]] éduqués, tout comme la musique jouée à la [[cithare]] [[guqin]], la [[calligraphie]] et la [[poésie]]. La peinture est devenue une forme d’expression artistique libre et, à cette période, les peintres de la cour faisaient partie de l’élite sociale. [[Image:Nvshizhentu.jpg|right|thumb|200px|Peinture sur rouleaux de [[Gu Kaizhi]].]] Le peintre [[Gu Kaizhi]] (344 - 406) de la [[dynastie Jin|dynastie des Jin orientaux]] qui est l’un des artistes les plus célèbres de l’histoire chinoise représente parfaitement le développement de la peinture chinoise classique. Comme peintures sur rouleau de Kaizhi, des artistes chinois de la [[dynastie Tang]] ([[618]] - [[907]]) comme [[Wu Daozi]] ont peint des œuvres aux couleurs vives et très détaillées sur des rouleaux horizontaux. Les peintures de la période Tang représentaient un environnement et des paysages idéalisés avec, de façon clairsemée, des objets ou des personnes. Un artiste comme [[Zhan Ziqian]], au début de l’ère Tang, a peint de superbes paysages avec un style qui fait de lui un précurseur du [[réalisme]]. Cependant, l’art du paysage a atteint son plus grand niveau de maturité et de réalisme durant la [[période des Cinq Dynasties et des Dix Royaumes]] ([[907]] - [[960]]) avec des peintres exceptionnels comme [[Dong Yuan]] ou [[Gu Hongzhong]]. [[Image:Huizong.jpg|left|150px|thumb|Un portait de l’empereur [[Huisong]], de la [[dynastie Song]]]] Avec la [[dynastie Song]] ([[960]] - [[1279]]), non seulement l’art du paysage s’est amélioré mais, au même moment, la peinture de [[portrait]]s est devenue plus normalisée et sophistiquée qu’auparavant pour atteindre sa maturité sous la [[dynastie Ming]] ([[1368]] - [[1644]]). À la fin du {{s|XIII|e}} et durant la première moitié du {{s|XIV|e}}, sous la [[dynastie Yuan]] contrôlée par les [[mongols]], les chinois n’avaient pas le droit d’occuper les postes les plus élevés du gouvernement qui étaient réservés aux mongols ou à d’autres groupes ethniques d’[[Asie centrale]]), et le système de l’[[examen impérial]] fut donc abandonné pendant un temps. Beaucoup de chinois instruits qui n’avaient pas de profession se sont donc tournés vers l’art, la [[peinture]] et le [[théâtre]] principalement ce qui explique que la période Yuan ait été l’une des ères les plus vibrantes et les plus abondantes pour la peinture chinoise. Ce fut le cas par exemple de Qian Xuan ([[1235]] - [[1305]]), qui était un fonctionnaire de la dynastie Song, mais qui a refusé desservir la cour de Yuan et s’est consacré à la peinture. On peut également citer les peintures murales du palais de [[Yongle]] qui couvrent plus de 1000 mètres carrés. [[Image:Portrait of the Qianlong Emperor in Court Dress.jpg|thumb|200px|right|Portait de l’empereur [[Qianlong]], milieu du [[XVIIIe siècle]].]] Bien qu’une peinture stylisée, une élégance surréaliste aient souvent été préférées au [[réalisme]] (comme dans le style [[shanshui]]), les peintres chinois ont commencé à réaliser des peintures de plus en plus réalistes sous la [[dynastie Song]], mouvement qui a perduré ensuite. Les artistes de la [[dynastie Ming]] ont ainsi développé un goût pour les détails et le réalisme de la nature, particulièrement dans la description des animaux (tels que les [[canard]]s, [[cygne]]s, [[moineau]]x, [[Tigre (mammifère)|tigre]]s, etc.) ou des fleurs et du bois. La peinture chinoise classique a perduré sous la [[dynastie Qing]], avec des portraits très réalistes comme ceux de l’empereur de [[Kangxi]], de l’empereur de [[Yongzheng]] ou de l’empereur [[Qianlong]]. Sous le règne de Qianlong et jusqu’au {{s|XIX|e}}, le style [[baroque]] européen a visiblement influencé la peinture chinoise, particulièrement avec les effets d’ombres et lumières. Inversement, les peintures asiatiques et d’autres formes d’art, comme la [[porcelaine]] et la [[laque]], étaient très appréciées en Europe. {{clr}} ====Peinture japonaise==== [[Image:Miyagawa_Isshô-Spring_Pastimes-H.jpg|nothumb|left|250px]] La [[peinture japonaise]] est l’un des plus vieux et raffinés des arts japonais, regroupant une grande variété de genres et de styles. L’histoire de la peinture japonaise est un mélange et une synthèse entre une [[esthétique]] originelle et une adaptation d’idées venues de l’extérieur. Ainsi, le [[Ukiyo-e]] (qui signifie littéralement « images du monde flottant ») est un genre d’estampe japonaise (ou de gravure sur bois) qui intègre des styles de peintures du {{sp-|XVII|e|au|XX|e}}. Inversement, la peinture japonaise, particulièrement à l’[[Époque d'Edo]], a exercé une très grande influence sur la peinture occidentale, en France notamment, durant le {{XIXe siècle}}. {{Article détaillé|Peinture japonaise}} {{clr}} ==Peinture occidentale== ===[[Égypte antique|Égypte]], [[Grèce antique|Grèce]] et [[Rome antique]]=== [[Image:Maler der Grabkammer der Nefertari 001.jpg|200px|right|thumb|Représentation de [[Nefertari]] dans la tombe de [[Ramsès II]] ({{-s-|XIII|e}}]] Si l’[[Égypte antique]] est une civilisation ayant une grande tradition en matière d’[[architecture]] et de [[sculpture]], elle a également développé l’art de la [[peinture murale]] dans les temples et les bâtiments ainsi que l’illustration des [[manuscrit]]s en [[papyrus (papier)|papyrus]]. La peinture murale et la peinture décorative égyptienne est généralement graphique, parfois plus symbolique que réaliste. La [[Art de l'Égypte antique|peinture égyptienne]] se caractérise par des figures dont les contours sont très apparents (comme dans la [[bande-dessinée]]), avec des [[Silhouette (art)|silhouettes]] plates, dans lesquels la [[symétrie]] est une caractéristique constante. La peinture égyptienne est étroitement liée à son langage écrit que l’on appelle les [[hiéroglyphe]]s. Les égyptiens ont également réalisé des peintures sur [[toile (peinture)|toile]] dont quelques exemples ont pu être préservées jusqu’à aujourd’hui. [[Image:Knossos frise taureau.JPG|nothumb|left|150px|Frise au taureau, dans le palais de Knossos]] Au nord de l’[[Égypte]], en [[Crète]], la [[civilisation minoenne]] a également développé l’art de la peinture murale, comme dans le palais de [[Knossos]]. Les peintures ressemblent à celles d’Égypte mais avec un style beaucoup plus libre. Autour 1100 av. J.-C., les tribus du nord de la Grèce conquise par la Grèce et l’art grec ont pris une nouvelle direction. {{clrleft}} [[Image:Athena Herakles Staatliche Antikensammlungen 2301 A full.jpg|thumb|right|200px|Peinture grecque sur amphore représentant [[Héraclès]] réalisée par le [[peintre d'Andokidès]], [[-520|520 av. J.-C.]]]] La [[Grèce antique]] a connu de grands peintres, de grands sculpteurs et de grands architectes. Le [[Parthénon]] est un exemple de cette [[architecture]]. La [[sculpture]] grecque sur marbre est souvent décrite comme la forme d’art classique la plus développée. La [[peinture]] sur la [[Céramique grecque antique|poterie et céramique grecque antique]] donne un aperçu particulièrement instructif de la manière dont la société de la Grèce antique a fonctionné. Le style de peinture [[Céramique grecque antique#Figures noires|figures noires]] et [[Céramique grecque antique#Figures rouges|figures rouges]] est un bon exemple de ce qu’était la peinture grecque. Les textes antiques évoquent quelques peintres grecs célèbres comme [[Apelle]] ou [[Zeuxis]], spécialistes de la peinture sur des panneaux de bois dont aucun exemple n’a malheureusement survécu et que l’on connait uniquement au travers des descriptions faites dans des textes romains contemporains. Il est généralement admis que Zeuxis, qui a vécu au Ve et VIe siècle av. J.-C., est le premier à employer le [[sfumato]]. Selon [[Pline l'Ancien]], le réalisme des peintures de Zeuxis était tel que les oiseaux auraient essayé de manger les raisins qu’il avait peints. Apelle est décrit comme le plus grand peintre de l’[[Antiquité]] en raison de sa parfaite maitrise de la technique du dessin et des couleurs brillantes. [[Image:Pompejanischer Maler um 60 v. Chr. 001.jpg|nothumb|left|150px|]] L’[[Art de la Rome antique|art romain]] a été influencé par la Grèce et, d’une certaine manière, on peut considérer qu’il est le descendant de la peinture grecque antique. Cependant, la peinture romaine a des caractéristiques uniques. Les seules peintures romaines qui ont survécu au temps sont des peintures murales, la plupart dans des villas de [[Campania]], dans le sud de l’[[Italie]]. La peinture romaine peut être regroupée en quatre catégories selon son style ou selon la période à laquelle elle a été réalisée<ref>[http://www.art-and-archaeology.com/roman/painting.html La peinture romaine] {{en}}</ref>. On y trouve les premiers exemples de [[trompe-l'œil]], de pseudo-perspective et paysage pur <ref>[http://www.accd.edu/sac/vat/arthistory/arts1303/Rome4.htm Roman Wall Painting<!-- Titre généré automatiquement -->]</ref>. Parmi les très rares peintures de portraits qui ont survécu on a retrouvé un grand nombre de [[portraits du Fayoum]] datant de l’[[Antiquité tardive]]. Bien que ces peintures ne soient sans doute pas de la plus haute qualité, elles donnent une idée de la qualité et de la finesse de la peinture antique. ===[[Moyen Âge]]=== [[Image:Meister der Schule von Nowgorod 002.jpg|200px|right|thumb|[[Crucifixion]], art byzantin, {{s|XIV|e}}]] L’avènement du [[christianisme]] s’est accompagné d’un changement d’état d’esprit qui a influencé les styles de peinture. Au {{VIe siècle}}, l’[[art byzantin]] a mis l’accent sur l’[[iconographie]] traditionnelle, influencée par la peinture d’[[icône]] grecque et russe [[Christianisme orthodoxe|orthodoxe]], et il a relativement peu changé au cours des mille ans de l’[[empire byzantin]]. Il y avait également de nombreuses [[peinture murale|peintures murales]] et de [[fresque]]s, mais peu d’entre elles ont survécu contrairement aux [[mosaïque (art)|mosaïque]]s byzantines. En général, l’art de Byzance reposait sur l’abstraction et la stylisation des figures et du paysage. Toutefois, il y a eu des périodes, particulièrement au {{s|X|e}} avec l’[[art macédonien]], où l’art byzantin est devenu plus flexible dans son approche. [[Image:Hastings book of the hours.jpg|nothumb|150px|left]] Dans l’Europe du [[Moyen Âge]], la première forme d’art et de peinture à émerger fut l’[[art anglo-saxon]] dont les seuls exemples survivants sont des [[enluminure|manuscrits enluminés]] tels que le [[livre de Kells]]. Elles sont célèbres pour leur décoration abstraite, même si des portraits et parfois des scènes, sont également dépeintes, particulièrement des portraits d’[[évangélisme|évangéliste]]. L’[[art carolingien]] et d’[[Culture de l'Empire ottoman|ottoman]] ont également laissé des manuscrits, même si certaines peinture murales demeurent. À cette période, la peinture mêle les influences insulaires et « barbares » ainsi qu’une forte influence byzantine. Les murs des églises [[art roman|romanes]] et [[art gothique|gothiques]] étaient décorés de [[fresque]]s ou de sculptures. Les quelques murs restant ont une grande intensité et combinent l’énergie décorative de l’[[art celte]] avec un nouveau traitement des personnages. [[Image:Giotto di Bondone 014.jpg|right|thumb|200px|Détail d’une [[fresque]] de [[Giotto di Bondone]] (1304-1306)]] La peinture sur panneaux de bois s’est répandue à l’époque romane, sous l’influence de la peinture d’icônes byzantine. Vers le milieu du {{s|XIII|e}}, l’[[art médiéval]] et la [[peinture gothique]] sont devenus plus réalistes, avec un début d’intérêt pour la représentation des volume et de la perspective, en [[Italie]] avec [[Cimabue]] puis son pupille [[Giotto di Bondone]]. Avec Giotto, le traitement de la [[composition picturale|composition]] par les meilleurs peintres est devenu beaucoup plus libre et innovateur. Giotto et Cimabue sont considérés comme les deux grands maîtres de la peinture médiévale dans la culture occidentale. Cimabue, dans la tradition byzantine, avait une approche plus réaliste et plus dramatique de son art, alors que Giotto a développé ces innovations à un plus haut niveau ce qui a d’ailleurs jeté les bases de la peinture classique occidentale. Les deux artistes étaient donc les pionniers du [[naturalisme (peinture)|naturalisme]]. Les églises ont été construites avec de plus en plus de fenêtres et l’utilisation du [[vitrail]] s’est répandue comme moyen de décoration. Un des exemples les plus célèbres est la [[cathédrale Notre-Dame de Paris]]. Au {{s|XIV|e}}, les sociétés occidentales étaient plus riches et plus cultivées et les peintres ont trouvé de nouveaux débouchés auprès de la [[noblesse]] et la [[bourgeoisie]]. Les enluminures ont pris un nouveau caractère, les femmes de la Cour, habillées à la mode, ont été représentées dans leur environnement. Ce style est rapidement devenu un modèle international et les peintures de panneau en [[tempera]] ainsi que les [[retable]]s ont gagné en importance. ===[[Peinture de la Renaissance|Renaissance]] et [[maniérisme]]=== {{Article détaillé|Peinture de la Renaissance|Maniérisme}} [[Image:Raffael 012.jpg|right|thumb|200px|''Le Triomphe de [[Galatée]]'' de [[Raphaël (peintre)|Raphaël]] (1512-1514)]] [[Image:God2-Sistine Chapel.png|left|nothumb|200px|''Dieu créant Adam'' de Michel-Ange]] La [[Renaissance (période historique)|Renaissance]] est souvent considérée comme l’[[âge d'or]] de la peinture s’étendant du {{sp-|XIV|e|au|XVII|e}}. En [[Italie]], des artistes comme [[Paolo Uccello]], [[Fra Angelico]], [[Masaccio]], [[Piero della Francesca]], [[Andrea Mantegna]], [[Filippo Lippi]], [[Giorgione]], [[Le Tintoret]], [[Sandro Botticelli]], [[Léonard de Vinci]], [[Michel-Ange]], [[Raphaël (peintre)|Raphaël]], [[Giovanni Bellini]] et [[Titien]] ont porté la peinture à son plus haut niveau par l’utilisation de la [[perspective]], l’étude de l’anatomie humaine et la proportion, et par une amélioration sans précédent des techniques picturales. Les peintres flamands, hollandais et allemands de la Renaissance tels que [[Hans Holbein le Jeune]], [[Albrecht Dürer]], [[Lucas Cranach]], [[Matthias Grünewald]], [[Jérôme Bosch]] ou [[Pieter Bruegel l'Ancien]] avaient une approche différente de leurs collègues italiens, plus réaliste et moins idéalisée. L’adoption de la [[peinture à l'huile]] dont l’invention est traditionnellement, mais indûment, attribuée à [[Jan van Eyck]], a rendu possible une peinture facilitant la représentation de la réalité. À la différence des Italiens, dont le travail était fortement marqué par l’art de la Grèce et de la Rome antiques, les peintres du Nord étaient imprégnés du style de la [[sculpture]] et [[enluminure]]s du [[Moyen Âge]]. [[Image:Hans Holbein d. J. 065.jpg|right|thumb|200px|''Portait de [[Thomas More]]'' par [[Hans Holbein le Jeune]] (1527)]] La peinture de la Renaissance reflète la révolution des idées et de la science ([[astronomie]], [[géographie]]), la [[réforme protestante]] et l’invention de l’[[imprimerie]]. [[Albrecht Dürer]], qui est considéré comme l’un des plus grands imprimeurs, indiquait que les peintres ne sont pas seulement des artisans mais aussi des penseurs. Avec le développement de la peinture sur [[chevalet (peinture)|chevalet]] pendant la Renaissance, la peinture a gagné en indépendance par rapport à l’architecture. Les artistes ne représentaient plus uniquement des images religieuses et traditionnelles, mais ils ont inclus dans leurs peintures des représentations du monde qui les entourait ou des images produits de leurs propres imaginations. [[Image:El Greco 019.jpg|left|nothumb|200px|Peinture d’El Greco]] Aux {{sp-|XV|e|et|XVI|e}}s, les peintures sur bois, qui pouvaient être accrochées aux murs et être déplacées à volonté, sont devenues de plus en plus populaires tant pour les églises que les maisons privées. Ces peintures plus mobiles ont peu à peu supplanté la [[peinture murale]] ou la [[fresque]] qui est intégrée à une structure permanente, comme les [[retable]]s. La [[Haute Renaissance]] a vu apparaître un art stylisé connu sous le nom de [[maniérisme]]. Au lieu des compositions équilibrées et d’une approche raisonnée de la perspective qui caractérisaient l’art à l’aube du {{s|XVI|e}}, les maniéristes recherchaient l’instabilité, l’artifice et le doute. Les visages et les gestes figés des peintures de [[Piero della Francesca]] et les vierges calmes de Raphaël ont été remplacés par les expressions préoccupées de [[Pontormo]] et l’intensité émotive d’[[El Greco]]. {{clr}} ===[[Baroque]] et [[Rococo]]=== {{Article détaillé|Peinture baroque|Rococo}} [[Image:Velazquez-Meninas.jpg|thumb|right|200px|''[[Les Ménines]]'' de [[Diego Vélasquez]] (1656).]] [[Image:Rubens - Judgement of Paris.jpg|nothumb|left|200px|Le Jugement de Pâris de Ruben]] À partir de [[1600]] et tout au long du {{s|XVII|e}}, s’est développé un nouveau style de peinture, la [[peinture baroque]]. Parmi les plus grands peintres baroques il faut citer [[Le Caravage]], [[Rembrandt]], [[Pierre Paul Rubens|Rubens]], [[Diego Vélasquez|Vélasquez]], [[Nicolas Poussin|Poussin]], et [[Johannes Vermeer|Vermeer]]. Caravage est un héritier de la peinture humaniste de la [[Haute Renaissance]]. Son approche réaliste des personnages humains a choqué ses contemporains et ouvert un nouveau chapitre de l’histoire de la peinture. La peinture baroque dramatise souvent les scènes en utilisant des effets de lumière comme l’illustrent les peintures de Rembrandt, de Vermeer, des [[frères Le Nain]] ou de [[Georges de La Tour]]. [[Image:Antoine Watteau 034.jpg|nothumb|left|200px|''Pèlerinage à l’île de Cythère'' d’Antoine Watteau]] Au {{s|XVIII|e}}, le style [[rococo]] est apparu comme un dérivé de la peinture baroque, plus décadent, plus léger, souvent frivole et érotique. Les maîtres français [[Antoine Watteau|Watteau]], [[François Boucher|Boucher]] et [[Jean Honoré Fragonard|Fragonard]] sont représentatifs de ce style, tout comme [[Giovanni Battista Tiepolo]] et [[Thomas Gainsborough]]. [[Jean Siméon Chardin]] est quant à lui considéré comme le meilleur peintre français du {{s-|XVIII|e}}. {{clr}} ===[[Néoclassicisme]], [[romantisme]], [[impressionnisme]]=== {{Article détaillé|Néoclassicisme|Peinture romantique|Impressionnisme}} [[Image:David - The Death of Socrates.jpg|nothumb|left|200px|''La Mort de Socrate'' par David]] [[Image:Dominique Ingres - Mme Moitessier.jpg|right|thumb|200px|''[[Madame Moitessier]]'' de [[Dominique Ingres]] (1856)]] Après la décadence du style [[rococo]] a surgi le [[néoclassicisme]] vers la fin du {{s|XVIII|e}} avec des artistes comme [[Jacques-Louis David]] et son héritier [[Dominique Ingres]]. Les œuvres d’Ingres contiennent déjà la sensualité, mais pas la spontanéité qui allait caractériser le [[romantisme]]. Ce [[mouvements en peinture|mouvement]] s’est attaché à la représentation des paysages, de la nature, les figures humaines et de manière générale la suprématie de l’ordre normal sur la volonté humaine. Cette conception de la peinture s’inscrit dans la philosophie [[panthéisme|panthéiste]] (voir [[Spinoza]] et [[Georg Wilhelm Friedrich Hegel|Hegel]]) qui s’oppose aux idéaux du [[siècle des Lumières]] par une vision plus tragique ou plus pessimiste du destin de l’humanité. L’idée que les êtres humains ne sont pas au-dessus des forces de la nature est en contradiction avec les idéaux de la [[Grèce antique]] et de la [[Renaissance (période historique)|Renaissance]] où l’humanité était au-dessus de toutes choses et était maître de son destin. Ce sont ces idéaux qui ont amené les artistes romantiques à peindre le [[sublime]], des églises en ruine, des naufrages, des massacres et la folie. [[Image:GericaultWoundedCavalry.jpg|right|200px|thumb|''Cuirassier blessé quittant le feu'' de [[Théodore Géricault]] (1814)]] Les peintres romantiques ont fait de la peinture de paysage un genre important alors qu’il était considéré jusque-là comme genre mineur ou comme un fond décoratif. Parmi les principaux peintres de cette période ont retrouve [[Eugène Delacroix]], [[Théodore Géricault]], [[Joseph Mallord William Turner]], [[Caspar David Friedrich]] et [[John Constable]]. Les derniers tableaux de [[Francisco de Goya]] démontrent l’intérêt du romantisme pour l’irrationnel, alors que le travail d’[[Arnold Böcklin]] évoque le mystère. Aux [[États-Unis]], la peinture romantique de paysage s’est fait connaître au travers de l’[[Hudson River School]] avec des peintres tels que [[Thomas Cole]], [[Frederic Edwin Church]], [[Albert Bierstadt]] ou [[Sanford Robinson Gifford]]. [[Image:Vincent Willem van Gogh 076.jpg|nothumb|180px|left|''Le Café de nuit, place Lamartine, Arles'' de Van Gogh (1888)]] Le principal peintre de l’[[école de Barbizon]], [[Camille Corot]] a réalisé des peintures parfois romantiques et parfois imprégnées d’un [[réalisme (peinture)|réalisme]] qui annonçait l’[[impressionnisme]]. L’un des peintres majeurs marquant le tournant vers le réalisme au milieu du {{s|XIX|e}} est [[Gustave Courbet]]. Dans le dernier tiers de siècle, les peintres impressionnistes comme [[Édouard Manet]], [[Claude Monet]], [[Pierre-Auguste Renoir]], [[Camille Pissarro]], [[Alfred Sisley]], [[Edgar Degas]] et les [[Post-impressionnisme|post-impressionnistes]] tels que [[Vincent Van Gogh]], [[Paul Gauguin]], [[Georges Seurat]] ou [[Paul Cézanne]], ont amené la peinture aux portes du [[modernisme]]. {{clrleft}} ===Peinture moderne et contemporaine=== {{article détaillé|Art moderne|Art contemporain}} L’héritage du post-impressionnisme, avec des peintres comme [[Vincent van Gogh|Van Gogh]], [[Cézanne]], [[Gauguin]] ou [[Seurat]] a joué un rôle essentiel dans le développement de l’[[art moderne]]. Au début du {{s|XX|e}}, [[Henri Matisse]] et d’autres jeunes artistes ont révolutionné le monde artistique [[paris]]ien avec une peinture « sauvage », multicolore et expressive que les critiques ont appelé le [[fauvisme]]. [[Pablo Picasso]] a réalisé sa première peinture [[Cubisme|cubiste]] en se fondant sur une idée de Cézanne selon laquelle toute représentation de la nature peut être réduite à trois solides : un [[cube]], une [[sphère]] et un [[Cône (géométrie)|Cône]]. ====Les pionniers==== {{Article détaillé|Fauvisme|Cubisme}} Le début du {{s-|XX|e}} est marqué par le développement du [[fauvisme]] avec des artistes tels que [[Henri Matisse]], [[Georges Braque]], [[André Derain]], [[Raoul Dufy]] et [[Maurice de Vlaminck]] qui ont profondément bousculé le milieu artistique de l’époque. Avec ''[[Les Demoiselles d'Avignon]]'' en 1907, [[Pablo Picasso]] crée un style de peinture nouveau et radical en représentant crûment et de façon primaire une scène de bordel avec cinq prostituées, des masques tribaux africains et contenant ses propres inventions [[cubisme|cubistes]]. Le [[cubisme analytique]], qui a été conjointement développé par Pablo Picasso et Georges Braque entre 1908 à 1912, est la première manifestation claire du cubisme. Lui a succédé le [[cubisme synthétique]] avec Braque, Picasso, [[Fernand Léger]], [[Juan Gris]], [[Albert Gleizes]], [[Marcel Duchamp]] et d’innombrables autres artistes dans les [[années 1920]]. Le cubisme synthétique se caractérise par l’introduction dans la peinture de différentes textures, de surfaces, d’éléments de collage, de papier collé et d’une grande variété de thèmes fusionnés. [[Image:Juan Gris 004.jpg|200px|right|thumb|''Guitare, livre et journal'' de [[Juan Gris]] (1919)]] Des années 1910 jusqu’à la [[Première Guerre mondiale]], après l’apogée du cubisme, plusieurs mouvements ont émergé à [[Paris]]. En juillet 1911, [[Giorgio De Chirico]] est venu à Paris où il a joint son frère Andrea (poète et peintre connus sous le nom d’[[Alberto Savinio]]) qui lui a permis de rencontrer [[Pierre Laprade]], un membre du jury au [[salon d'automne]] où il a exposé trois de ses œuvres : ''Énigme d'un soir d'automne'' (1910), ''Énigme de l'oracle'' (1910) et un autoportrait. En [[1913]], il expose son travail au [[salon des Indépendants]] où il est remarqué par Pablo Picasso et [[Guillaume Apollinaire]]. Ses peintures mystérieuses sont considérées comme le début du [[Surréalisme]]. [[Image:Moscow I..JPG|right|200px|thumb|''Moscou I'' de [[Wassily Kandinsky]] (1916)]] Au cours des deux premières décennies du {{s|XX|e}}, hormis le cubisme, plusieurs [[mouvements en peinture|mouvements]] importants ont émergé : *le [[futurisme]] ([[Giacomo Balla]]) *l’[[art abstrait]] ([[Wassily Kandinsky]], [[Le Cavalier bleu]]) *le [[Bauhaus]] ([[Kandinsky]], [[Paul Klee]]) *l’[[orphisme (art)|orphisme]] ([[Robert Delaunay]], [[František Kupka]]) *le [[synchromisme]] ([[Morgan Russel]]) *le [[De Stijl]] ([[Piet Mondrian]]) *le [[suprématisme]] ([[Kasimir Malevitch]]) *le [[constructivisme (art)|constructivisme]] ([[Vladimir Tatline]]) *le [[dadaïsme]] ([[Marcel Duchamp]], [[Francis Picabia]], [[Jean Arp]]) *le [[surréalisme]] ([[Giorgio de Chirico]], [[André Breton]], [[Joan Miró]], [[René Magritte]], [[Salvador Dalí]], [[Max Ernst]]) La peinture moderne a influencé tous les arts visuels, de l’[[architecture]] et le [[design]] moderne au film d’[[avant-garde (art)|avant-garde]], en passant par le [[théâtre]] et la [[danse moderne]]. Elle est également devenue un laboratoire expérimental pour les formes d’expression visuelle tels que la [[photographie]], le [[calligramme]], la [[Mode (habillement)|mode]] ou la [[publicité]]. La peinture [[expressionnisme|expressionniste]] de [[Vincent van Gogh|Van Gogh]] a influencé la peinture du {{s|XX|e}}, comme cela apparaît dans la peinture fauve de [[Die Brücke]] (un groupe mené par la peintre allemand [[Ernst Ludwig Kirchner]]) ou chez d’[[Edvard Munch]], [[Egon Schiele]], [[Marc Chagall]], [[Amedeo Modigliani]], [[Chaim Soutine]]… [[Wassily Kandinsky]], un peinture russe, imprimeur et théoricien de l’art, l’un des plus célèbres artistes du {{s-|XX|e}}, est généralement désigné comme le premier peintre important de l’[[art abstrait]] moderne. En tant que [[moderniste]], à la recherche de nouveaux modes d’expression visuelle et spirituelle, il a théorisé la peinture comme l’ont fait les [[occultisme|occultistes]] et les [[théosophie|théosophistes]]. Kandinsky a développé plusieurs de ses théories sur l’art abstrait dans son livre ''Concernant la spiritualité dans l’art''. [[Robert Delaunay]] était un artiste français associé à l’[[orphisme (art)|orphisme]] dont les contributions à l’art abstrait se traduisent par une utilisation audacieuse de la couleur et une volonté d’expérimenter la profondeur et la tonalité. En 1911, à l’invitation de Kandinsky, Delaunay et son épouse l’artiste [[Sonia Delaunay]], a rejoint [[Le Cavalier bleu]] (''Der Blaue Reiter''), un groupe d’artistes abstraits de [[Munich]]. Parmi les autres pionniers de la peinture abstraite il faut citer le peintre tchèque, [[František Kupka]] et le mouvement [[synchromisme]], proche de l’[[orphisme (art)|orphisme]], fondé en 1912 par les artistes américains [[Stanton MacDonald-Wright]] et [[Morgan Russell]]. ====[[Entre-deux-guerres]]==== [[Image:On Vacation.jpg|right|thumb|200px|''En vacance'' de [[Kasimir Malevitch]] (1927)]] [[Image:Gustav Klimt 051.jpg|right|thumb|200px|''Portrait de Friederike Maria Beer'' de [[Gustav Klimt]] (1916)]] {{Article détaillé|Art abstrait|Expressionnisme|Symbolisme (art)}} La peinture de [[Piet Mondrian]] était intimement liée à ses études spirituelles et philosophiques. En [[1908]], il s’est intéressé au mouvement [[théosophie|théosophique]] lancé par [[Helena Petrovna Blavatsky]] à la fin du {{s|XIX|e}}. Elle considérait qu’il était possible d’atteindre une connaissance de la nature plus profonde que celle obtenue par des moyens empiriques. Une grande partie du travail de Mondrian a été inspiré par la recherche de cette connaissance spirituelle. Le peintre russe [[Kasimir Malevitch]] est un autre pionnier de l’[[art abstrait]] qui, après la [[révolution russe]] de 1917 et après l’oppression du régime [[stalinisme|staliniste]] en 1924, est retourné à une peinture figurative. On peut également citer le peintre [[suisse]] [[Paul Klee]] dont le travail sur la couleur a fait de lui un pionnier de la peinture abstraite du [[Bauhaus]]. Dans les [[États-Unis]] de l’entre-deux-guerres les peintres ont eu tendance à se rendre en [[Europe]] pour y acquérir une certaine reconnaissance comme ce fut le cas de [[Marsden Hartley]], [[Patrick Henry Bruce]] et [[Stuart Davis]] qui se sont faits une réputation en dehors de leur pays. L’[[expressionnisme]] et le [[Symbolisme (art)|symbolisme]] sont des mouvements qui englobent plusieurs styles de peinture du {{s-|XX|e}} et qui ont dominé une grande partie de l’art [[avant-garde (art)|avant-gardiste]] en Europe occidentale, orientale et nordique. L’expressionnisme de l’entre-deux-guerres s’est principalement répandu en [[France]], en [[Allemagne]], en [[Norvège]], en [[Russie]], en [[Belgique]] et en [[Autriche]]. Les artistes expressionniste sont liés à la fois au [[surréalisme]] et au [[Symbolisme (art)|symbolisme]]. Le [[fauvisme]], le [[Die Brücke]] et [[Der Blaue Reiter]] sont trois des groupes les plus connus de peintres expressionnistes et symbolistes. Parmi Les artistes les plus influents de ce [[mouvements en peinture|mouvement]] on distingue [[Marc Chagall]], [[Gustav Klimt]], [[Egon Schiele]], [[Edvard Munch]], [[Emil Nolde]], [[Chaim Soutine]], [[Georges Gimel]], [[James Ensor]], [[Oskar Kokoschka]], [[Ernst Ludwig Kirchner]], [[Max Beckmann]], [[Franz Marc]], [[Otto Dix]], [[Käthe Kollwitz]], [[Georges Rouault]], [[Amedeo Modigliani]] ... Dans les [[années 1930]] et la [[Grande Dépression]], le [[surréalisme]], le [[cubisme]] tardif, le [[bauhaus]], le [[De Stijl]], le [[dadaïsme]] et les peintres coloristes comme [[Henri Matisse]] ou [[Pierre Bonnard]] sont caractéristiques de la scène artistique européenne alors qu’en Amérique le mouvement du [[réalisme social]] dominait le monde de l’art. Des artistes ont émergé de cette nouvelle scène artistique comme [[Ben Shahn]], [[Thomas Hart Benton (peintre)|Thomas Hart Benton]], [[Grant Wood]], [[George Tooker]], [[John Steuart Curry]], [[Reginald Marsh]] et bien d’autres. En [[Amérique latine]] le mouvement du [[muralisme]] avec [[Diego Rivera]], [[David Alfaro Siqueiros]], [[José Clemente Orozco]], [[Pedro Nel Gómez]] et les peintures de [[Frida Kahlo]] sont une renaissance de l’art dans cette région, avec l’utilisation de la couleur et l’expression de messages politiques. À la veille de la [[deuxième guerre mondiale]], plusieurs des artistes surréalistes ont été influencés par la politique radicale de gauche, parmi lesquels [[Pablo Picasso]] qui a réalisé son célèbre tableau ''[[Guernica (Picasso)|Guernica]]'' dénonçant les horreurs du [[bombardement de Guernica]] le {{date|26|avril|1937}}, pendant la [[guerre civile espagnole]], par la [[légion Condor]] de la [[Luftwaffe]] allemande. {{clr}} ===Après guerre=== La seconde moitié du {{s|XX|e}} a été pour le monde artistique, et la peinture en particulier, une période de multiplication des courants artistiques, avec la naissance d’une grande variété de [[mouvements en peinture]]. ====Peinture [[Pop Art]]==== [[Image:Demuth Charles Aucassiu and Nicolette 1921.jpg|right|thumb|200px|''Aucassiu et Nicolette'' de Charles Demuth (1921), oeuvre précisionniste]] {{article détaillé|Pop Art}} Né dans les [[années 1950]] en [[Angleterre]], le [[Pop Art]] va surtout se développer en Amérique avec des artistes comme [[Jasper Johns]], [[Larry Rivers]] ou [[Robert Rauschenberg]] dans les [[années 1960]] même si, dès les années 1920-1930, les peintures de [[Gerald Murphy]], [[Stuart Davis]] et [[Charles Demuth]] fondateur du mouvement [[précisionnisme|précisionniste]], marquaient déjà l’avènement du pop Art. Il faut souligner qu’au début des années 1950, la plupart des artistes qui s’inscrivirent ensuite dans la mouvance du Pop Art, faisaient une peinture qualifiée d’[[expressionnisme abstrait]]. Il faudra véritablement attendre le début des années 60 pour que le mouvement Pop Art prenne son essor. Parmi les artistes les plus réputés de ce mouvement pictural, il faut citer [[Andy Warhol]], [[Claes Oldenburg]], [[Wayne Thiebaud]], [[James Rosenquist]], [[Jim Dine]], [[Tom Wesselmann]] et [[Roy Lichtenstein]] entre autres. Ce qui caractérise le Pop Art, c’est sa volonté de fusionner la culture populaire de masse avec l’art le plus raffiné, avec une dose d’humour, d’ironie et un langage figuré parfaitement reconnaissable. [[Lawrence Alloway]], l’inventeur du terme « Pop Art » désignait ainsi les peintures qui célébraient le consumérisme d’après-guerre, c’est-à-dire un [[mouvements en peinture|mouvement]] qui rejetait l’expressionnisme abstrait centré sur l’[[herméneutique]] et la psychologique, en faveur d’un art célébrant la culture, la publicité, et l’iconographie de l’ère de la consommation de masse. ====Nouvelle peinture abstraite==== {{Article détaillé|Colorfield Painting|Abstraction lyrique}} Le mouvement [[colorfield Painting]], qui s’inscrit dans la continuité du [[suprématisme]] et de l’[[abstraction lyrique]], est apparu aux [[États-Unis]] dans les années 1950. Il marquait clairement une nouvelle orientation de la peinture américaine, loin de l’[[expressionnisme abstrait]], en cherchant à débarrasser l’art d’une [[rhétorique]] jugée superflue. Ainsi, des artistes comme [[Clyfford Still]], [[Mark Rothko]], [[Hans Hofmann]], [[Morris Louis]], [[Jules Olitski]] ou [[Kenneth Noland]] dépeignaient peu la nature, leur peinture reposant surtout sur une utilisation psychologique de la couleur. En général, ces artistes ont éliminé les formes reconnaissables. L’un des tendances du mouvement "colorfield painting" est l’utilisation de [[toile (peinture)|toile]] non rectangulaires, ce que l’on appelle le [[shaped canvas]]. Ce fut le cas de peintre tels que [[Frank Stella]], [[Kenneth Noland]], [[Ellsworth Kelly]], [[Barnett Newman]], [[Ronald Davis]], [[Neil Williams]], [[Robert Mangold]], [[Charles Hinman]], [[Richard Tuttle]] ou [[David Novros]] au début des années 60. Cette tendance marquait une réaction contre le mysticisme et l’hyper-subjectivité de l’[[expressionnisme abstrait]] et contre l’idée bien ancrée que l’utilisation d’une toile rectangulaire classique serait le signe d’une peinture dite « sérieuse ». [[Image:PollockTela.jpg|nothumb|right|200px]] Les années 1960 ont vu naître un autre mouvement, l’[[abstraction lyrique]], terme qui a été inventé par [[Larry Aldrich]] en 1969. L’abstraction lyrique, comme le mouvement [[Fluxus]], cherche à repousser les frontières de la peinture abstraite et du [[minimalisme]] en se concentrant sur le processus de création, les nouveaux matériaux et les nouvelles formes d’expression. Cette forme de peinture intègre souvent des matériaux industriels, des matières premières et des objets variés avec des références au [[dadaïsme]] et au [[surréalisme]]. Il existe des similitudes entre d’une part l’[[abstraction lyrique]] et, d’autre part, le [[colorfield Painting]] et l’[[expressionnisme abstrait]] particulièrement dans l’utilisation très libre des couleurs,textures et surfaces. Cependant les deux styles sont nettement différents. Dans la peinture expressionniste abstraite ou l’[[Action painting]] des années 1940-1950, l’accent est mis sur la composition et le sens du [[drame (théâtre)|drame]], au sens théâtral du terme. En revanche, dans l’abstraction lyrique il y a un sens de la composition très aléatoire et discret ainsi qu’une priorité faite au processus de création, à la répétition et à la sensibilité. Pendant les années 1960 et 1970, de nombreux artistes influent ont adopté ces styles de peinture, notamment [[Robert Motherwell]], [[Philip Guston]], [[Cy Twombly]], [[Josef Albers]], [[Agnès Martin]], [[Helen Frankenthaler]], [[Gene Davis]], [[Joan Mitchell]] ou bien encore des peintres plus jeunes comme [[Robert Mangold]], [[Ronnie Landfield]] ou [[Susan Crile]]. Au cours des année 1960-1970, il y a eu une réaction contre la peinture abstraite. Des critiques n’ont pas hésité à parler de « la mort de la peinture » en évoquant par exemple le travail d’un peintre comme [[Ad Reinhardt]]. Les artistes ont alors peu à peu pratiqué une nouvelle manière de faire de l’art et de nouveaux mouvements en peinture|mouvements sont apparus comme le [[postminimalisme]], le [[land Art]], l’[[Art vidéo]], l’[[installation (art)|installation]], l’[[arte Povera]], l’[[art performance]], l’[[art corporel]], le [[fluxus]], l’[[art postal]], le [[situationnisme]] ou l’[[art conceptuel]]. ====[[Néo-expressionnisme]], [[Figuration Libre]]==== [[Image:Gianfredo-Camesi-MesureTemp.jpg|right|200px|nothumb|Mesure du temps de Gianfredo Camesi]] Vers la fin des années 70 et du début des années 80, plusieurs [[mouvements en peinture|mouvements]] sont apparus presque simultanément en [[Italie]], [[Allemagne]], [[France]] et [[Grande-Bretagne]]. Ces mouvements très similaires ont pris différents noms : [[Néo-expressionnisme]] ou [[Nouveaux Fauves]] en Allemagne, [[Trans-avant-garde]] en Italie, [[Bad Painting]] aux États-Unis et [[Figuration libre]] en France. Ce style de peinture se caractérise par des grands formats, une grande liberté dans l’expression, la figuration, la référence au mythe et à l’imagination. Les critiques d’art se sont divisés sur ces mouvements, certains les considérant comme étant dictés par un souci commercial des grandes galeries d’art. Ce style de peinture continue a être populaire au {{s|XXI|e}}. {{clr}} ===Peinture contemporaine du {{s-|XXI|e}}=== [[Image:Banksy.in.bristols.park.street.arp.jpg|thumb|right|200px|''L’Homme nu'' de [[Banksy]]]] [[Image:St Paul de Vence Lucas Suppin.jpg|nothumb|left|200px]] Au début du {{s|XXI|e}}, la [[peinture]] et l’[[art contemporain]] ont continué à se développer à travers différents mouvements qui se caractérisent par les idées de [[pluralisme]] et de [[mondialisation]]. La « crise » de la peinture dans les [[années 1980]] tend aujourd’hui à se résoudre grâce au pluralisme. Il n’existe aucun consensus sur un style représentatif de la peinture contemporaine. Des œuvres d’art magnifiques et importantes continuent à émerger dans une grande variété de style tels que l’[[abstraction géométrique]], l’[[hyperréalisme]], le [[photoréalisme]], l’[[expressionnisme]], le [[minimalisme]], l’[[abstraction lyrique]], le [[pop Art]], l’[[Op art]], l’[[expressionnisme abstrait]], le [[colorfield Painting]], le [[Néo-expressionnisme]], le [[collage (art)|collage]], la [[peinture numérique]], la [[postmodernisme|peinture postmoderne]], le [[shaped canvas]], la [[peinture murale]]… {{clr}} ==Peinture d’Islam== [[Image:Yahyâ ibn Mahmûd al-Wâsitî 007.jpg|right|thumb|200px|Peinture sur papier de Yahyâ ibn Mahmûd al-Wâsitî, [[Irak]] (1237)]] {{Article détaillé|Arts d'Islam}} [[Image:Al-Bawwâb 001.jpg|nothumb|120px|left|Ornement sur le Coran]] L’[[islam]] interdit la représentation des êtres humains, des animaux et de tous les sujets figuratifs pour éviter aux croyants l’[[idolâtrie]] ce qui explique qu’en principe il n’existe pas de peinture religieuse (ni sculpture) dans la culture musulmane. Pendant longtemps l’art visuel s’est donc limité aux [[arabesque]]s, souvent abstraite, avec une configuration géométrique ou florale. Généralement liée à l’[[architecture]] et la [[calligraphie]], la peinture d’Islam se retrouve dans la peinture des [[tuile]]s des [[mosquée]]s ou dans les [[enluminure]]s du [[Coran]] et d’autres livres. En fait, l’[[art abstrait]] n’est pas une invention de l’[[art moderne]], mais il était présent dans les cultures préclassiques et non-occidentales plusieurs siècles avant et était essentiellement un art décorati. L’Art nouveau, avec [[Aubrey Beardsley]] et l’architecte [[Antonio Gaudi]], a réintroduit les modèles floraux abstraits dans l’art occidental. Il faut toutefois noter qu’en dépit du tabou de la représentation figurative, quelques pays musulmans ont cultivé une riche tradition picturale, non pas sous la forme de tableaux mais plutôt comme moyen d’illustrer des écrits. Ainsi l’art iranien ou persan, principalement connu au travers des [[miniature persane|miniatures persanes]], se concentre sur l’illustration d’évènements épiques ou romantiques dans la [[littérature]]. Les illustrateurs persans ont délibérément évité l’utilisation de l’ombre et la lumière ou de la [[perspective]] afin de respecter la règle consistant à ne pas créer une illusion trop réaliste du réel. Leur but n’était pas de dépeindre le monde comme il est, mais de représenter des images d’un monde idéal, d’une beauté intemporelle et d’un ordre parfait. ==Peinture africaine== {{Article détaillé|Art africain traditionnel|Art contemporain africain}} [[Image:Sudan Farras fresco of cathedral 22dez2005.jpg|nothumb|right|200px]] [[Image:Ethiopian Painting 2005 SeanMcClean.JPG|nothumb|left|200px]] La culture et les tribus traditionnelles africaines ne semblent pas avoir un grand intérêt pour les représentations bidimensionnelles et privilégient la [[sculpture]] et les [[bas-relief]]s. La peinture décorative dans la culture africaine est souvent abstraite et géométrique. Une autre forme de représentation visuelle est la [[bodypainting|peinture corporelle]] que l’on trouve par exemple dans la culture [[Masaï]] et [[Kikuyu]] dans leurs rituels de cérémonie. Il faut souligner que [[Pablo Picasso]] et bien d’autres peintres modernes ont été influencés par la sculpture et les masques africains. Les artistes africains contemporains s’inscrivent souvent dans les [[mouvements en peinture|mouvements occidentaux de peinture]]. ==Références== <references /> {{portail peinture}} [[Catégorie:Histoire de la peinture|*]] [[ast:Historia de la pintura]] [[ca:Història de la pintura]] [[en:History of painting]] [[es:Historia de la pintura]] [[gl:Historia da pintura]] [[it:Storia della pittura]] [[pl:Historia malarstwa]] [[pt:História da pintura]] [[sk:Dejiny výtvarného umenia]]